Posté le Lundi 9 décembre 2019
Niya est le personnage central de la fresque de science-fiction russe au titre français aussi magnifique que métaphorique, À TRAVERS LES RONCES LES ÉTOILES (1981, Cherez ternii k zvyozdam) réalisé par Richard Viktorov.
L’intrigue : Au XXIIe siècle, un vaisseau de patrouille découvre un vaisseau en perdition dans lequel tout l’équipage est mort sauf une jeune fille. Cette androïde dénommée Niya ne retrouve pas la mémoire malgré les soins prodigués par une famille de scientifiques qui l’accueille chez elle. La mémoire lui revient lorsqu’elle voit à la télévision les ambassadeurs d’une planète inconnue venus demander l’aide des Terriens…
Niya semble aux premiers abords tenir de la perfection si on la considère comme une androïde : elle est télépathe, pratique la télékinésie, se téléporte et elle est une athlète hors-pair. Mais peut-être par opposition à Linda Lee (alias Kara Zor-El/Supergirl), Niya n’abuse que très rarement de ces petits plus qui la rendent supérieure aux êtres humains. Au contraire, elle fait preuve d’une sensibilité extrême quant à sa condition de femme androïde non-terrienne. Et au contact des scientifiques terriens qui découvrent peu à peu la vulnérabilité électronique, Niya entreprend d’un côté une longue quête initiatique pour retrouver la mémoire, celle du pourquoi de son existence. Et de l’autre elle sert plus ou moins de regard extérieur pour nous faire observer la civilisation terrienne qui joue continuellement d’imagination pour se subsister à elle-même.
Le personnage de Niya est extrêmement complexe derrière sa façade de nonchalance, mais son apparence est plutôt simple. Elle porte une perruque blonde très courte qui définit sa condition androïde, bien qu’elle n’est pas contre l’idée de se féminiser avec plus de piment en arborant la coiffure de Louise Brooks dans LOULOU (1929). et elle a les grands yeux curieux de la jeune actrice Yelena Metyolkina.
Par certains côtés, elle peut rappeler la Leeloo du CINQUIÈME ÉLÉMENT (1995) de Luc Besson, mais en nettement moins exubérante. Et malgré le petit look anachronique de Niya, le film se situe dans cette mode du cinéma du début des années 80 qui exploitait de belles femmes androïdes dans l’espace comme Galaxina, Chalmer ou encore Cassandra. Les autres ingrédients typiques des 80’s ont été ajoutés subrepticement dans les dialogues de la version française (puisque le film a été en compétition au Festival d’Avoriaz 1982). Par exemple, lorsque les ambassadeurs extraterrestres disent « Terriens, vous êtes notre dernier recours » ou lorsque Niya s’exclame : « Le téléphone va bientôt sonner. Je dois m’en aller !».
À TRAVERS LES RONCES LES ÉTOILES possède aussi des robots terriens beaucoup plus rudimentaires que Niya. Il y a le personnel d’embarquement des vaisseaux et un robot domestique nommé Bécassine dans la version française (comme le personnage de la bande-dessinée de Jacqueline Rivière et Émile-Joseph-Porphyre Pinchon). Bécassine est beaucoup plus sommaire, mais en tant que robot du XXIIe siècle, elle développe une pensée qui lui est propre, et même des passions toutes personnelles puisqu’elle collectionne les autographes (l’équivalent des selfies faits avec des célébrités pour les ados des années 80).
Pour conclure, je vous laisse avec le clip d’un groupe de pop américain qui rend hommage à la sensibilité de Niya. Il vous en dira d’ailleurs un peu plus sur l’histoire sans trop spoiler l’ensemble.
- Trapard -
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libidineuse augurée par LE BAL DES VAMPIRES. Et le scénario de GRAVE OF THE VAMPIRE (1972) sentait aussi un peu le souffre, avec ses faux airs de rape-and-revenge mâtiné d’une cuillerée de DRACULA, PÈRE ET FILS, mais sans Bernard Menez.
On ne connaît pas réellement les raisons de cette mutation, bien que de nombreuses possibilités soient évoquées dans la salle d’attente par plusieurs pères qui attendent que leurs femmes entrent en salle d’accouchement. La plus pertinente serait la conséquence des OGM, un des thèmes majeurs du cinéma d’épouvante des années 70. Mais finalement ce thème n’est qu’un prétexte pour montrer la dislocation d’une famille de classe moyenne. D’un côté, elle se retrouve recluse et montrée du doigt par les médias. Et de l’autre, elle implose de l’intérieur en relations triangulaires entre les parents et le monstre, puis avec le frère aîné. La relation entre le père et le monstre est le vrai fil conducteur du film, comme une relecture de la relation complexe entre le baron Frankenstein et sa
Larry Cohen a aussi tourné lui-même deux suites plus ou moins directes au premier opus : LES MONSTRES SONT TOUJOURS VIVANTS (1979) et LA VENGEANCE DES MONSTRES (1987). Mais le complotisme y remplace malheureusement trop facilement le sujet de fond du premier volet.
Après la mort suspecte de son grand-oncle, l’éminent spécialiste en langues sémitiques George Gammel Angell, l’anthropologue Francis Wayland Thurston hérite, entre autres biens, d’une mystérieuse boîte scellée par un cadenas. Une fois ouverte, il y découvre un bas-relief incrusté de hiéroglyphes inconnus et orné d’une monstrueuse figure ailée dont le corps grotesque et vaguement humanoïde est surmonté d’une tête de pieuvre. Parcourant les notes amassées par le défunt linguiste, le narrateur reprend son investigation restée inachevée, sur un inquiétant phénomène de délire collectif survenu quelques années plus tôt. De Providence à Oslo, en passant par le bayou putride de Louisiane, la côte inhospitalière du Groenland et le port de Dunedin en Nouvelle-Zélande, Thurston se lance sur les traces d’un culte impie qui, par des rituels sanglants, entretient depuis des temps immémoriaux la mémoire de Cthulhu, dieu extra-terrestre venu des étoiles. Si la dépouille du Grand Ancien gît sous la mer dans la cité de R’lyeh, son esprit immortel n’a de cesse d’appeler à lui ses fidèles à travers le globe. 
Écrite vraisemblablement durant l’été 1926 et jugée médiocre par Lovecraft lui-même, L’Appel de Cthulhu sera refusée successivement par les deux pulp magazines Weird Tales et Mystery Tales. Ce n’est que deux ans plus tard, grâce à l’intervention de l’écrivain Donald Wandrei, ami de Lovecraft et futur co-fondateur, avec August Derleth, de la maison d’édition Arkham House spécialisée dans la weird fiction (Lovecraft, forcément… mais aussi Howard, Smith, Blackwood, Le Fanu et bien plus tard Bruce Sterling ou J.G. Ballard), que la nouvelle sera enfin publiée dans le numéro de février de Weird Tales.
Cet univers ludique ne cessera de s’étoffer au fil des décennies, grâce à la publication régulière de toute une gamme de suppléments et de campagnes fort bien troussés, qui permettront aux joueurs d’explorer les lieux emblématiques imaginés par Lovecraft (Arkham, Dunwich, Innsmouth, Kingsport…), mais aussi d’autres époques (l’Angleterre victorienne, le Paris des Années Folles, l’ère moderne), d’autres pays (l’Egypte, l’Australie…), voire même d’autres dimensions (les fameuses Contrées du Rêve !), quitte à laisser parfois de côté bibliothèques et impénétrables forêts de Nouvelle-Angleterre, au profit de trépidantes aventures occultes que n’aurait pas reniées le professeur Jones.
Au-delà du fait que Cthulhu partage avec le Kraken des accointances fabuleuses avec la classe des céphalopodes (Lovecraft le décrit comme le croisement improbable d’une pieuvre et d’un dragon), il n’échappera sans doute pas au lecteur familier de l’écrivain que les fameux vers du Necronomicon d’Abdul Alhazred : « N’est pas mort ce qui éternellement repose,/Et dans les longues éternités même la mort peut mourir », cités à maintes reprises dans L’Appel de Cthulhu, font étrangement écho à ceux du poème de Tennyson. En effet, dans les deux œuvres, nous nous trouvons en présence de monstres gigantesques qui dorment d’un « très vieux sommeil sans rêve » au fond de l’océan, attendant « la Fin des Temps » pour se réveiller et remonter à la surface. Lovecraft nous livre d’ailleurs une vision très détaillée de cette « rouge Apocalypse », par l’intermédiaire de Castro, un vieux marin interrogé dans le second chapitre de sa nouvelle : « … ce temps serait aisé à reconnaître, parce que l’humanité alors serait devenue comme l’étaient les Grands Anciens ; libres et sauvages, et tous les hommes criant et tuant et révélant leur joie. Alors les Grands Anciens libérés leur apprendraient de nouvelles manières de crier et de tuer et de se réjouir, et toute la terre s’enflammerait dans un holocauste d’extase et de liberté. » Vaste programme ! 
D’après le critique James Welch, le Kraken de Tennyson incarnerait deux conceptions du temps que l’on retrouve généralement dans d’autres œuvres du poète : d’une part le temps répétitif (associé à l’isolation), d’autre part le temps dynamique (associé au contact avec autrui, qu’il s’agisse d’un individu, d’un groupe ou d’une communauté). Toujours selon Welch, le sonnet parlerait de la qualité du temps lui-même. Figé, statique, dans les premiers vers, tandis que la créature solitaire est plongée dans un profond sommeil, il se fait dynamique, lorsqu’enfin elle s’élève hors de l’eau pour mourir, dans une brève et splendide apothéose. Ce passage de la stase, et de l’enfermement spatio-temporel, au mouvement qui fait se rencontrer le temps et l’Eternité se retrouve également au cœur de la nouvelle de Lovecraft : jusqu’au récit final de Johansen, qui relate la mésaventure du marin et de ses compagnons, Cthulhu est présenté au lecteur, soit sous la forme minérale d’un bas-relief ou d’une statuette (quintessence symbolique de la pétrification spatio-temporelle), soit emmuré dans sa cité de R’lyeh. La créature se situe donc elle aussi dans ce temps statique de l’isolation évoqué par Welch à propos du Kraken. Dès lors que le groupe de marins ouvre par erreur la porte qui le retenait prisonnier, Cthulhu s’anime, se fait (violemment) dynamique et s’apprête à accomplir la prophétie annoncée par Castro, qui doit instaurer sur Terre le règne de la Fin des Temps. Celle-ci sera toutefois repoussée par Johansen dans un acte désespéré qui obligera Cthuhlu à replonger littéralement dans un sommeil confinant à la mort et l’attente d’une nouvelle conjonction des astres. 
Voilà bien un film dont je n’aurais jamais parlé sur le blog de Morbius si je n’avais pas acheté le DVD d’occasion. Et puis c’est tout de même plus reposant de parler d’un film sorti il y a dix ans, plutôt que d’un classique des années 1920 ou 1930. Déjà, parce que lorsque son thème est éculé jusqu’à la moelle, c’est nettement plus simple de savoir d’où viennent ses références. Alors que pour un film de 1910 ou 1920, on redécouvre aujourd’hui tellement de
Rankine ! D’ailleurs les files d’attente démarraient sur le côté droit du stand ! Serions-nous si célèbres que les geeks calédoniens n’ont plus besoin de savoir ce que sont Les Échos d’Altaïr ? À moins que nous les ayons effrayés, Trapard, Antipathes et moi (ce qui ne m’étonnerait pas) !
