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Archive pour la catégorie « Cinéma bis japonais »

DRIVE-IN : FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON (1965)

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FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON (Furankenshutain tai chitei kaijû Baragon)
Année : 1965
Réalisateur : Ishirō Honda
Scénario : Reuben Bercovitch & Takeshi Kimura
Production : Tomoyuki Tanaka
Musique : Akira Ifukube
Pays : Japon
Durée : 89 min
Interprètes : Nick Adams, Tadao Takashima, Kumi Mizuno…

Tout le schéma du film d’Ishirō Honda est finalement dans ce titre de FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON : ou quand la science de la vieille Europe rencontre l’atome nippo-américain (autrement dit, le blocus américain au Japon).

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L’intrigue : Durant la Seconde Guerre mondiale, le cœur de la créature de Frankenstein débarque au Japon. Il est amené dans un laboratoire d’Hiroshima où des scientifiques procèdent à sa transplantation dans un cadavre. Mais, alors que l’opération vient de s’achever, la bombe atomique s’abat sur la ville. Des années plus tard, le monstre est recueilli par un scientifique américain et son assistante japonaise. Sous l’effet des radiations, il commence à grandir jusqu’à atteindre la taille d’une maison. Aucune cage ne pouvant plus désormais le retenir, le monstre s’évade et se réfugie dans la forêt. En même temps, Baragon, un dinosaure mutant, sort de sa cachette souterraine et se livre à des raids destructeurs…

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FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON est une sorte de prolongement hybride entre les aventures du comte Frankenstein, des adaptations du « Cerveau du Nabab » (DONOVAN’S BRAIN, LA FEMME NUE ET SATAN, THE BRAIN, et LE CERVEAU QUI NE VOULAIT PAS MOURIR), de la mutation atomique humaine (LE TUEUR AU CERVEAU ATOMIQUELE FANTASTIQUE HOMME COLOSSE, L’ATTAQUE DE LA FEMME DE 50 PIEDS...) et d’un bon kaiju-eiga dérivé de GODZILLA. Ou le métissage culturel international parfait pour une exportation de masse. Jugez-en d’ailleurs aux différents titres d’exploitation : « Frankenstein vs. Baragon », « Frankenstein Conquers the World », « Frankenstein Meets the Giant Devil Fish », « Frankenstein and the Giant Lizard », « Frankenstein vs. the Giant Devil Fish », « Frankenstein vs. the Subterranean Monster »...

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En dehors des messages politiques faux-culs concernant Hiroshima qui me poussent à préférer le cinéma déjanté des 60′s d’un Seijun Suzuki ou de Nagisa Ōshima, il y a malgré tout chez Ishirō Honda beaucoup de cet univers grotesque et absurde cher aux « Craignos Monsters ». C’est aussi le genre de films rachetés par la télévision américaine comme l’AI.P.-TV qui diffusait des films italiens, japonais ou soviétiques remontés avec des anciennes stars des années 30 et 40 (Basil Rathbone, John Carradine…) jouant dans de nouvelles scènes insérées pour modifier l’intrigue originelle. Ainsi, l’un des plus grands acteurs japonais, Takashi Shimura (rendu célèbre par les films de Kenji Mizoguchi et d’Akira Kurosawa), apparait à l’âge de 60 ans dans une courte scène qui ne dure pas plus d’une minute. Même Akira Ifukube, le créateur de la B.O. du premier GODZILLA de 1954, signe celle de FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON en créant des variantes patriotiques américaines du thème principal du roi des monstres.

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L’idée du film produit par les deux complices de l’A.I.P., Samuel Z. Arkoff et James H. Nicholson, est aussi de surenchérir derrière la folie d’un KING KONG CONTRE GODZILLA en 1962. À l’origine, Godzilla devait même combattre la créature de Frankenstein à la suite de Baragon, ce qui ne s’est pas fait, sûrement en raison de droits d’auteur entre l’A.I.P. et la Tôhô. En tout cas, la version que je connais est l’alternative avec la pieuvre géante Oodako apparaissant au moment où Baragon s’esquive en se cachant sous la roche. La scène du combat final entre monstres est épique et fait vite oublier les longueurs du reste du film.

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C’est sûrement aussi à partir de ce milieu des années 60 que Frankenstein et sa créature ont été complètement dissociés pour ne devenir qu’une simple entité monstrueuse nominative, sans dieu ni maître, et se suffisant à elle-même (voir aussi  FRANKENSTEIN MEETS THE SPACE MONSTER).

Quand au géant Baragon, sorte de tortue préhistorique mutante cracheuse de flammes, avec des oreilles de koala et un nez de taupe foreuse, il s’agit de sa toute première apparition dans ce FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON. Mais on la recroise, affrontant du beau monde dans  LES ENVAHISSEURS ATTAQUENT sorti en 1968.

- Trapard -

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DRIVE-IN : THE SNOW CREATURE (1954) / SNOWMAN (1955)

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THE SNOW CREATURE
Année : 1954

Réalisateur : W. Lee Wilder
Scénario : Myles Wilder
Production : W. Lee Wilder (United Artists)
Musique : Manuel Compinsky
Pays : États-Unis
Durée : 69 min
Interprètes : Paul Langton, Leslie Denison, William Phipps, Teru Shimada…

THE SNOW CREATURE de W. Lee Wilder est connu en France sous le titre, L’ABOMINABLE HOMME DES NEIGES. Certains blogs le répertorient aussi avec comme titre, LE REDOUTABLE HOMME DES NEIGES au risque de le confondre avec le bon film anglais de Val Guest de 1957.

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Mais le film de W. Lee Wilder est tout de même un cran en-dessous de celui de la Hammer Film. Néanmoins il se laisse regarder, d’autant qu’il s’agit du tout premier film de Yéti.

L’intrigue : Le Dr. Frank Parrish, un botaniste travaillant pour une fondation part en expédition en Himalaya afin de prélever des spécimens de plantes en compagnie de Peter Wells un photographe, de Subra un guide Sherpa et de porteurs. Dans la nuit, Leva, le frère de Subra rejoint le campement afin de prévenir ce dernier que Tala son épouse a été enlevée par un Yéti. Subra tente alors de convaincre Parrish de partir à la recherche de sa femme mais le botaniste refuse convaincu que le Yéti n’est qu’une légende locale…

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THE SNOW CREATURE commence à la manière d’un documentaire bourré de maladresses, puis lorsque la sauce prend, on alterne entre l’histoire de KING KONG avec son géant velu exilé en pleine ville américaine, traquant les humains… et THEM (1954), lorsque le Yéti se retrouve lui-même traqué dans les larges couloirs des égouts de Los Angeles.

La créature n’a du Yéti que l’apparence angoissante, lorsqu’elle est filmée dans l’obscurité. Dans la lumière, il s’agit avant tout d’un grand bonhomme affublé de peaux de bêtes…

LE FILM COMPLET EN V.O. :

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SNOWMAN
Année : 1955

Réalisateur : Ishirô Honda
Scénario : Takeo Murata
Production : Tomoyuki Tanaka (Toho)
Musique : Masaru Sato
Pays : Japon
Durée : 95 min
Interprètes : Momoko Kochi, Akira Takarada, Akemi Negishi…

Les créatures de SNOWMAN ou SNOW BEAST MAN, ou mieux connu en France sous le titre de HALF HUMAN, sont nettement plus crédibles. D’ailleurs, contrairement à L’ABOMINABLE HOMME DES NEIGES, tout le film d’Ishirô Honda tient le spectateur à l’aide d’une intrigue et d’une ambiance très angoissantes. Et les décors sont particulièrement bons. Les Yétis du film de Honda sont des créatures mi-hommes, mi-simiesques, dans la logique du mythe du chaînon manquant. Les designs des costumes sont évidemment très liés aux classiques du kaiju-eiga, le surplus de latex faisant le reste.

L’intrigue : Des villageois japonais vénèrent un monstre et son fils qui vivent dans une caverne. Des personnes du monde du spectacle entendent parler des créatures, et décident de capturer le monstre…

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Moins connu qu’Akira Ifukube, compositeur du célèbre thème des GODZILLA, Masaru Satō, ayant plutôt composé les airs tragiques de la plupart des premiers films d’Akira Kurosawa, nous offre une palette de variantes atmosphériques pour HALF HUMAN.

Le scénario du film est assez proche de ceux de certains des premiers kaiju-eiga en développant un traditionalisme paysan dominé par des croyances ancestrales donnant du sens à la cruauté de la créature. Un traditionalisme soumis qui sera repris maintes et maintes fois jusque dans le cinéma bis italien et philippin des années 80.

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Des quelques films de Yétis, des années 70 à 2010 que j’ai pu regarder, le film d’Ishirô Honda peut faire figure de relique, mais c’est à mon avis et de loin, le plus abouti des films du genre, avec celui de Val Guest cité plus haut.

- Trapard -

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ROBOT-COOL (48) : BIO-DROÏDES

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Voici quelques exemples de bio-droïdes issus du film japonais GUNHED (1989, ガンヘッドGanheddo) de Masato Harada. Bien que très occidentalisé et fondamentalement basé sur l’univers de James Cameron (TERMINATOR et ALIENS, LE RETOUR), GUNHED est une bonne série B de type « Mecha » très stylisée, ce qui rend l’ensemble visuellement très agréable.

L’intrigue : Au cours de l’année 2005, la société Cybortech a construit sur une petite île asiatique appelée 8JO, l’une des installations de développement robotique les plus avancées : Kyron-5. Contrôlée par un système d’Intelligence Artificielle hautement avancé, Kyron-5 a étudié l’Humanité de de manière autonome pendant 20 ans jusqu’à ce qu’il se rende compte que celle-ci n’est pas nécessaire et a commencé à utiliser ses propres technologies pour la détruire. La grande guerre des robots a commencé. Pour remédier à l’insurrection de Kyron-5, les puissances alliées ont envoyé un bataillon, le GUNHED, pour stopper Kyron-5, mais celui-ci est protégé par de puissants bio-droïdes armés. Le bataillon a été vaincu mais le conflit se limite alors à un statut quo. 13 années plus tard, un nouveau détachement militaire est envoyé sur 8JO pour découvrir les réelles intentions de Kyron-5…

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Le design des Méchas est l’œuvre de Shôji Kawamori qui est autant réalisateur de films d’animation, que concepteur de jeux vidéo ou concepteur de designs de Mechas pour des films de science-fiction avec acteurs. Sa renommée vient surtout de la conception d’éléments mécaniques pour des séries TV d’animation cultes comme ULYSSE 31 (1981) ou pour les TRANSFORMERS (1984).

Dans GUNHED, ses bio-droïdes sont particulièrement élaborés. Trop peut-être pour un cinéma qui ne possède pas les libertés visuelles de l’animation. Mais leurs apparitions font à chaque fois leur petit effet.

- Trapard -

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Robot « cool » ou « craignos » ?

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UTOPIC FASHION : À LA MODE DE TERRA

UTOPIC FASHION : À LA MODE DE TERRA dans Cinéma bis 13061310015515263611288448

Et si on s’attardait parfois sur les vêtements à travers les films et les séries de science-fiction ? Et si on explorait les tendances ou les fantasmes exprimés à travers les designs les plus fous, les plus kitchs ou les plus provocants de la SF, mais aussi à travers les plus austères, les plus sérieux ou les plus envisageables dans un avenir plus ou moins éloigné ? Place à Utopic Fashion !

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Ces deux demoiselles originaires de la planète de glace Terra revêtent avec classe l’uniforme des combattantes. Regard farouche, position défensive, nul doute qu’elles incarnent à elles seules toute la détermination de Terra grâce à leur combinaison ultra-moderne. Ainsi, l’éternel aluminium, matériau indispensable pour tout alien des sixties qui se respecte, y est présent un peu partout pour garantir la touche out of this world essentielle.

Notez également le casque, flanqué de ses indispensables antennes si fréquentes à la glorieuse époque de la radio, et la ceinture qui arbore très distinctement nombre de gadgets à faire pâlir de jalousie le moindre Stormtrooper. Il semblerait que l’on y trouve des petits boutons, mais aussi de gros boutons, avec une sorte de mixeur central et même une petite télé sur le côté. Tout de même peu pratique pour la regarder puisqu’il faut se plier en deux, sans compter la vision inversée. Et je ne parle pas de cette grosse ceinture qui, si elle permet une taille de guêpe, s’avère toutefois relativement peu confortable lorsque l’on s’assoit.

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Nos deux demoiselles d’un autre monde apparaissent dans le film japonais de Noriaki Yuasa, GAMERA CONTRE GUIRON (1969) où « deux garçons, Akio et Tom, se font enlever par des aliens. Les deux enfants découvrent sur la planète de glace Terra, deux belles femmes aliens ainsi que le monstre Guiron. Gamera retrouve la piste des deux garçons sur Terra et combat Gurion, tandis que les garçons tentent d’échapper aux deux aliens. »

- Morbius -

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LA SF À YOM – Godzilla

Yom a une passion : la science-fiction, SA science-fiction ! Films, séries télévisées, dessins animés, comics, serials… sur sa page Facebook, tout y passe, « juste pour le plaisir » nous dit-il. Et pour notre plaisir, Yom nous permet de publier ici certaines de ses critiques, de ses réflexions, de ses opinions, de ses pensées ou de ses interrogations. Aujourd’hui :

LA SF À YOM - Godzilla dans Cinéma bis 16062508331615263614332010

GODZILLA

Étant donné qu’une nouvelle version japonaise de GODZILLA va sortir cet été (au pays du soleil levant en tout cas), ça me donne l’idée de parler un peu du roi des monstres (Godzilla) que j’affectionne assez. Avant tout, voici la bande annonce de cette nouvelle mouture de GODZILLA (un reboot de la série apparemment, en tout cas par rapport aux versions japonaises) :

Image de prévisualisation YouTube

Concernant notre gros lézard, comme l’essentiel de la filmographie de la bête est plutôt à classer dans le fantastique, je vais surtout évoquer les quelques opus qui pour moi touchent plus au domaine de la science fiction et qui ont un petit plus par rapport aux autres.

16062508351715263614332011 dans Cinéma bis japonaisChronologiquement, le premier qui me vient à l’esprit est INVASION PLANÈTE X  de 1965 : une planète est découverte autour de Jupiter, et ses habitants ont besoin de Godzilla et Rodan (un autre monstre géant) pour les débarrasser de King Gidorah (un dragon géant à trois têtes). Ce n’est pas un film extraordinaire, mais il amène le concept d’extraterrestres (pas toujours du même coin de l’espace) ennemis de la Terre dans la franchise qui n’auront de cesse d’envoyer des monstres géants pour qu’ils se prennent une fessée de notre Godzilla national (plutôt mondial, mais bon).

Viennent plus tard deux films qui présentent un monstre qui est bien clairement du domaine de la science-fiction : MechaGodzilla, qui, comme son nom l’indique, est une version mécanique de Godzilla. En 1974, GODZILLA CONTRE MECHAGODZILLA, et en 1975, MECHAGODZILLA CONTRE-ATTAQUE. 16062508382515263614332012 dans Science-fictionCe Kaiju mécanique reviendra dans plusieurs films, et apportera de plus en plus de dynamisme au combats (de mon point de vue en tout cas). Son histoire aussi évoluera, car il passera d’une machine créée par (encore) des extraterrestres, à une version créée autour du squelette du premier Godzilla (qui meurt à la fin du film), qui commence à prendre vie de manière autonome (et donc à la limite du cyborg si on y réfléchit bien) et qui aura son heure de gloire dans la saga (surtout dans les deux films de 2002 et 2003).

Et puis un bon gros monstre venu de l’espace, SpaceGodzilla (original, non ?) débarquera en 1994 pour combattre notre lézard radioactif, sans oublier un nouveau monstre mécanique terrien, Moguera, qui devra remplacer le Mechagodzilla de 1993 qui aura mal fini.

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Tout le monde suit ? Bref, résumons. GODZILLA, c’est beaucoup de monstres, très souvent liés à des extraterrestres à tendance dominateurs du monde, quelques machines gigantesques pour les contrer (ou pas), souvent de l’humour (parfois potache) dans les versions antérieures à 2000 (plus ou moins dosé selon les films), mais des effets qui sont assez convaincants pour les films qui suivent.

16062508431515263614332018Je vous conseille donc de visionner (en plus de l’original de 1954, histoire d’avoir les bases quand même) les deux films avec Mechagodzilla de 1974 et 1975, ensuite les films de 1993 et 1994 (GODZILLA VS MECHAGODZILLA 2 et GODZILLA VS SPACE GODZILLA). Vous pouvez faire un détour par le film suivant en 1995 qui n’est pas de la SF, mais qui m’avait laissé un assez bon souvenir et qui en plus continue plus ou moins l’histoire commencée avec les deux précédents : GODZILLA VS DESTROYAH. Ensuite revenons à nos moutons avec les films de 2002 et 2003, GODZILLA X MECHAGODZILLA et GODZILLA, MOTHRA, MECHAGODZILLA : TOKYO S.O.S. Enchaînez si vous le sentez avec celui de 2004, GODZILLA FINAL WARS qui comme son nom l’indique était censé boucler la boucle.

Et puis surtout, je vous conseille la version américaine de 2014, qui, même si beaucoup la critiquent, est à mes yeux un bel hommage à GODZILLA (et surtout aux versions « modernes » des années 2000), même si ce n’est pas de la science-fiction (bien que les MUTOS aient un look plutôt alien à mes yeux).

Avec tout ça, vous avez dix films de GODZILLA à visionner, mais c’est toujours moins que les 30 qui existent actuellement.

À bientôt ! 

- Yom -

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DRIVE-IN : ATARAGON (1963)

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ATARAGON (Kaitei gunkan)
Année : 1963
Réalisateur : Ishirô Honda
Scénario : Schinichi Sekizawa
Production : Tomoyuki Tanaka
Musique : Akira Ikukube
Pays : Japon
Durée : 96 min
Interprètes : Tadao Takashima, Yoko Fujiyama, Yu Fujiki, Ken Uehara…

Production de la Toho Company, et distribuée par l’American International Pictures (AIP), ATARAGON (1963, Kaitei gunkan) est un classique de la SF réalisé par Ishirô Honda. Le scénario est l’adaptation d’une série de nouvelles pour enfants, « Kaitei okaku » de l’écrivain Shunrō Oshikawa, qui sont légèrement inspirées des aventures écrites par Jules Verne et qui ont été illustrées par Shigeru Komatsuzaki.

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L’intrigue : La terre tremble violemment. Les secousses sont provoquées par l’Empire sous-marin de Mu, un peuple belligérant cherchant à imposer ses règles au-dessus de niveau de la mer. Dans leur croisade, les Muans sont aidés et protégés par leur Dieu Manda, un serpent de mer colossal. Tous les espoirs reposent sur le capitaine Jinguji qui, à la fin de la Seconde Guerre mondiale, s’est installé sur une ile du Pacifique et a construit, avec des ingénieurs, un appareil de destruction, l’Ataragon, projetant des gaz congélateurs à -280 degrés. Avec cet appareil, il espère venger son pays, le Japon…

ATARAGON débute comme une fausse suite de LA VAPEUR HUMAINE (1960) mais l’histoire nous plonge ensuite dans un film visuellement époustouflant et grandiose, surtout lors de l’immersion vers l’Empire Mu. Le tout sur fond de patriotisme japonais d’après-guerre et de compositions musicales d’Akira Ifukube (GODZILLA). Si vous n’avez jamais vu ATARAGON, je vous suggère de regarder la bande-annonce américaine du film pour vous en faire une idée.

- Trapard -

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DRIVE-IN : LA TRILOGIE DES MUTANTS (1958 – 1960)

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LA TRILOGIE DES MUTANTS (1958-1960)

L’HOMME H (1958), LA VAPEUR HUMAINE (1960) et THE SECRET OF THE TELEGIAN (1960) constituent ce que l’on appelle aujourd’hui « La Trilogie des Mutants » des studios de la compagnie japonaise Toho. Très éloignés des kaiju-eiga de l’époque, ces trois films sont pourtant une autre variante de l’après-Hiroshima et ses potentiels effets après-coup sur les humains. Proches des films policiers et sociaux japonais de l’après-guerre comme ceux d’Akira Kurosawa, la trilogie mélange d’excellents récits d’enquêtes policières flirtant avec les cabarets aux dance-floors sexy et américanisés tout en y ajoutant des éléments de science-fiction horrifique et particulièrement sur le thème de l’invisibilité.

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L’HOMME H

L’HOMME H (1958, Bijo to Ekitainingen), réalisé par le grand Ishirô Honda, ouvre le bal avec sa créature gélatineuse et spectrale à mi-chemin entre film de fantôme japonais et variation sur les radiations atomiques très en vogue à cette période aux États-Unis (L’HOMME QUI RÉTRÉCIT, LE FANTASTIQUE HOMME COLOSSE…) et au Japon avec GODZILLA (1954). Puis, dans une certaine mesure, avec le très sympathique L’HOMME INVISIBLE CONTRE LA MOUCHE HUMAINE (1957, Tômei ningen to hae otoko) de Mitsuo Murayama pour la compagnie Daiei, qui diluait déjà de la SF au sein d’une bonne intrigue politico-policière.

L’intrigue : Un trafiquant de drogue disparaît soudainement, ne laissant que ses vêtements. Un jeune scientifique soupçonne que les essais de la Bombe H dans le Pacifique ont créé des mutants radioactifs gélatineux qui détruisent ceux qui les touchent…

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LA VAPEUR HUMAINE

LA VAPEUR HUMAINE (1960, Gasu ningen dai ichigo) ou THE HUMAN VAPOR, lui aussi réalisé par Ishirô Honda, est sûrement le plus connu de la Trilogie des Mutants de la Toho. De bons effets spéciaux et une réalisation efficace sur un Cinémascope aux magnifiques éclairages, le film de Honda nous propulse à toutes vapeurs dans son intrigue d’homme invisible cambrioleur.

L’intrigue : Après avoir accepté de subir des expérimentations, un détenu se voit doter de la capacité de se transformer en masse vaporeuse. Il en profite alors pour effectuer ses méfaits en toute impunité…

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THE SECRET OF THE TELEGIAN

THE SECRET OF THE TELEGIAN (1960, Denso Ningen) est mon film préféré de cette trilogie, avec son ambiance semi-gothique malgré une réalisation de Jun Fukuda plutôt connu pour sa démesure dans le superficiel, notamment pour ses réalisations de kaiju-eiga. Fluide et rythmé, THE SECRET OF THE TELEGIAN est un régal d’aventures policières science-fictionnelles.

L’intrigue : Un parc d’attraction. Un homme invite à visiter la caverne des horreurs, peu de temps avant qu’un meurtre y soit commis. Pas de description valable du tueur et pas de traces. Il n’y a qu’un journaliste qui a trouvé un mince fil, qu’un savant décrit comme un transistor nouveau genre, très efficace et miniature, mais qui doit être utilisé uniquement à basse température. D’autres meurtres sont commis et toujours le tueur disparait sans laisser de traces jusqu’à ce que de futures victimes dévoilent un crime commis à la fin de la guerre…

- Trapard -

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LA SF À YOM – Bataille Au-delà des Étoiles

Yom a une passion : la science-fiction, SA science-fiction ! Films, séries télévisées, dessins animés, comics, serials… sur sa page Facebook, tout y passe, « juste pour le plaisir » nous dit-il. Et pour notre plaisir, Yom nous permet de publier ici certaines de ses critiques, de ses réflexions, de ses opinions, de ses pensées ou de ses interrogations. Aujourd’hui :

LA SF À YOM - Bataille Au-delà des Étoiles  dans Cinéma bis 15032007542415263613087398

BATAILLE AU-DELÀ DES ÉTOILES

Je ne vais pas vous parler d’un chef-d’œuvre, mais juste d’un film que j’ai vu récemment, et qui mérite une petite critique.

Voici d’abord l’histoire : Dans un futur proche, un astéroïde menace de percuter la Terre. Une équipe est envoyée pour organiser la destruction de l’astéroïde. La mission commence bien : elle réussit à y placer des charges et à le faire sauter (tiens, tiens, ça me rappelle un film de 1998), mais l’un de ses membres rapporte à son insu une particule de matière vivante verte et visqueuse (le Green Slime du titre en VO). Celle-ci commence alors à se multiplier et des monstres meurtriers surgissent… Oulala, ça fait peur, non ?…

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Et bien, non, ça ne fait pas vraiment peur. Mais avant d’aller plus loin, juste une petite info : ce film est déjà une curiosité par le fait que c’est un film japonais avec uniquement des acteurs américains. Du coup, les designs sont assez proches des œuvres cinématographiques nippons de l’époque, et le manque de moyens est assez visible. Malgré cela, il est étrangement attirant pour un fan de SF comme moi, car il n’est jamais bien clair si c’est un film sérieux raté, ou un film plein de second degré (et du coup plutôt réussi)…

15032007574015263613087401 dans Science-fictionConcrètement, il y a de bons passages dans l’idée qui auraient pu donner quelque chose de très bon avec les moyens adéquats, mais aussi des choses risibles (notamment sur les trucages) qui font se demander si l’équipe pensait vraiment que ça allait passer comme une lettre à la poste sans que le public se dise « oulala !! ».

Tout cela pour vous dire que vous pouvez tenter votre chance en regardant BATAILLE AU DELÀ DES ÉTOILES. Ça va peut être vous piquer un peu les yeux, mais dites vous que c’est voulu, et vous passerez un moment plutôt sympathique.

- Yom -



ROBOT-CRAIGNOS (82)

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Mais qui sont donc ces deux acolytes ?… Des cosplayers débutants ? Des catcheurs excentriques ? Des sado-masos frustrés ?… Quoi ?… Non ! Des robots ?! Deux robots issus du film SUPER INFRAMAN (1975) de Shan Hua. Huuuuaaaaa ça alors ! Et mieux vaut ne pas s’y frotter, non pas à Hua (hua, hua, hua !) mais à ses deux robots, car comme dirait l’autre : qui s’y frotte s’y pique.

L’histoire de SUPER INFRAMAN : « La planète est menacée par le réveil d’une étrange démone, prisonnière depuis plus de 10 millions d’années dans les entrailles de la Terre. Entourée de monstres maléfiques, elle s’apprête à conquérir le monde et à exterminer l’espèce humaine. Mais un groupe de scientifiques va s’opposer à eux en mettant au point une arme redoutable: le super héros Inframan ! » (allocine.fr)

La Terre peut désormais trembler face à ces deux robots que nul ne saurait affronter sans sombrer dans la démence. À moins de couper leurs gros tuyaux sur les côtés, je parie que c’est leur point faible… Question à étudier.

- Morbius -

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Robot de Target Earth / Robot de Devil Girl from Mars / Robot de The Phantom Empire / Robot de The Robot vs. the Aztec Mummy / Robot de Vanishing Shadow /Robot de The Phantom Creeps / Robot de Undersea Kingdom / Robot de Superman (serial) / K1 / Ro-Man / Muffet / Robox / Robot géant des amazones de Star Crash / Robot de Flesh Gordon / 2T2 / Robot de Giant Robot / Gog / Kronos /Robot de The Space Giants / Robert / Wiki / Robots de The Lost Saucer / Robot de L’Invasion des Soucoupes Volantes / Jet Jaguar / Elias / QT-1 / Andy / Dot Matrix / Robot de The Goodies / Torg / Kryten / Robot de Dünyayi Kurtaran Adam /Robot de L’Homme Mécanique / Robot de Supersonic Man / Robot de Cosmo 2000 / Mechani Kong / Sparks / Robots de Ice Pirates / Maria (de Roboforce) / K-9Robot de The Bowery Boys Meet The Monsters / Robot de First Spaceship On Venus / « Friend » / RUR / Crow T. Robot, Gypsy & Tom Servo / Q / Tic Tac /Robowar / Robot de Frigia / Mark 1 / Kip / Doraemon / Robot de Métal Hurlant Chronicles /  Moguera / Robot de Galaxis / IG-88 / Stella / Metalogen Man / Tor /Robot de Superman Contre les Robots / Robot de Lost City / Robot de Supercar /Robot des Thunderbirds / Robot de Alien Armaggedon / Robot de Ikarie XB-1 /Robot de la série TV Superman (1951) / RuR (2) / Roscoe / Robots de Star Odyssey / Robot de La Edad de Piedra / Robot de l’épisode de La Quatrième Dimension : Oncle Simon / Stelekami / Auto / Eyeborgs / Astrul / Robot de Booby Trap / Vindicator / Robot de Bad Channels / Robots d’Alpha Cassiopée / Peebo

Robot « cool » ou « craignos » ?

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QUELQUES HISTOIRES CLASSIQUES DE FANTÔMES JAPONAIS (p2)

QUELQUES HISTOIRES CLASSIQUES DE FANTÔMES JAPONAIS

Suite et fin du dossier en deux parties sur quelques histoires classiques de fantômes japonais. Si vous avez raté la première, cliquez ici.

QUELQUES HISTOIRES CLASSIQUES DE FANTÔMES JAPONAIS (p2) dans Cinéma 15012706421515263612909356

HISTOIRES CLASSIQUES DE FANTÔMES JAPONAIS Partie 2

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HOUSE (1977, Hausu, ハウス) de Nobuhiko Obayashi

15012706461715263612909368 dans Cinéma bis japonaisPour changer un peu du fantôme traditionnel japonais, HAUSAU est un teen-movie d’épouvante de Nobuhiko Obayashi, un mélange de comédie, de film hippie, de cinéma d’auteur où présent et passé coulent l’un dans l’autre sans avertissement, et d’images surexposées à la David Hamilton des Seventies. Ici fantômes et bakeneko se fondent dans une histoire mi-fleur bleue, mi-horrible, mi-drôle. Certaines scènes grand-guignolesques et hilarantes ont d’ailleurs dû inspirer Sam Raimi pour l’humour de la franchise EVIL DEAD.

L’intrigue : C’est le début des vacances d’été et Oshare doit les passer avec son père. Lorsque celui-ci veut emmener sa nouvelle petite copine, Oshare le ressent comme une tentative de remplacer sa mère morte huit ans auparavant et ne peut pas l’accepter. Fâchée, elle décide de passer ses vacances chez sa tante dans une maison isolée avec ses six meilleures copines. Mais une fois arrivées sur place, elles réalisent que tout n’est pas comme cela semble être…

CURSE OF THE DOG GOD (1977, Inugami no tatari) de Shunya Ito

15012706485215263612909369 dans Dossier : Fantômes JaponaisAprès le bakeneko, voici l’autre meilleur ami de l’homme transformé en spectre, le chien-fantôme vengeur qui prend possession des esprits dans une sympathique production de la Toei.

L’intrigue : Trois garçons de Tokyo font un voyage dans le pays pour débusquer des gisements d’uranium. Ils vont bientôt en trouver un, mais détruisent par erreur un sanctuaire miniature et écrasent un chien. Désormais, la malédiction du Dieu Chien plane au-dessus de leur tête. L’un d’eux s’écrase du toit d’un immeuble de grande hauteur, et après ses funérailles, un autre est dévoré par une meute de chiens. Ryuichi, constate que sa femme Reiko prend la malédiction très au sérieux et semble devenir peu à peu folle…

L’EMPIRE DE LA PASSION (1978, Ai no borei, 愛の亡霊) de Nagisa Oshima

Deux ans après son film culte de Sexploitation japonaise sur l’histoire de la meurtrière Sabe Ada, L’EMPIRE DES SENS (1976, 愛のコリーダ, Ai no korīda), Nagisa Ōshima tourne une autre histoire d’amour passionné mais sur fond d’esprit tourmenté et vengeur.

15012706515115263612909370 dans FantastiqueL’intrigue : À la fin du XIXe siècle, dans un village au fond d’un Japon demeuré médiéval, Toyoji, jeune paysan pauvre, et Seki, femme d’un rémouleur-colporteur, de vingt ans son aînée, se prennent l’un pour l’autre d’une passion aveugle. Ils décident de tuer le mari gênant : après l’avoir saoulé, ils l’étranglent et le jettent dans un puits. Seki annonce au village que son mari est parti travailler à Tokyo. Après trois ans, le fantôme du mari revient les hanter, et la rumeur publique attire un inspecteur de police…

Comme dans ONIBABA (1964) de Kaneto Shindō ou dans RING 1 et 2 d’Hideo Nakata, on retrouve dans L’EMPIRE DE LA PASSION le fameux trou ou puits sombre dans lequel repose un mort. Une image qui rappelle un proverbe japonais, inspiré par le bouddhisme et le taoïsme qui traitent de l’étroitesse de nos connaissances et des limites que cela impose à notre vision des choses.

« La grenouille dans le puits ne connaît pas l’océan » (ことわざ) ». On prête à ce proverbe des origines indiennes et chinoises, et cette histoire de grenouille a vraisemblablement suivi l’expansion du bouddhisme. De la Chine, elle est tout naturellement passée au Japon. Il s’agit d’une mise en garde contre tout jugement hâtif : le monde ne se limite pas à l’expérience personnelle de chacun, il ne faut pas rejeter d’emblée ce qu’on ne connaît pas. C’est le cas ici du surnaturel. Bien que L’EMPIRE DE LA PASSION possède aussi sa double lecture sur la folie ou sur les croyances ancestrales.

SAMURAÏ RÉINCARNATION (1981, Makai tenshô) de Kinji Fukasaku

15012706561715263612909372 dans TrapardAdapté d’un roman célèbre de Fūtarō Yamada, SAMURAÏ RÉINCARNATION est le versant asiatique du film de zombie et de malédiction, tout en redorant la popularité de Sonny Chiba après ses rôles dans les STREET FIGHTER (1974) puis dans LES ÉVADÉS DE L’ESPACE (1978), LES GUERRIERS DE L’APOCALYPSE (1979) ou encore dans X-OR (1982).

L’intrigue : Après avoir survécu à l’anéantissement de nombreux chrétiens il y a plus de 350 ans, un samouraï accuse Dieu d’ignorer les croyants. Il vend son âme à Satan et reçoit le pouvoir de ressusciter les morts pour se joindre à lui dans une folie meurtrière…

SAMURAÏ RÉINCARNATION est une série B aux décors complètement apocalyptiques et infernaux.

En 1986, la firme américaine d’Empire Pictures produira un petit film fantastique qui est un compromis entre SAMURAÏ RÉINCARNATION et LES GUERRIERS DE L’APOCALYPSE avec LE GUERRIER FANTÔME (1986, Ghost Warrior) ou la malédiction d’un samouraï qui refuse de mourir après son décès et dont l’incarnation est projetée dans l’Amérique des Années 80. Le roman de Fūtarō Yamada a de nouveau été adapté en 2003 pour SAMURAÏ RESURRECTION (Makai tenshô) réalisé par le cinéaste Hideyuki Hirayama.

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YÛKI, LE COMBAT DES SHOGUNS (1981, Yuki ゆき) de Tadashi Imai

YÛKI, LE COMBAT DES SHOGUNS préfigure déjà le future scénario d’Hayao Miyazaki pour PRINCESSE MONONOKE (1997) bien qu’il s’agisse ici d’un anime pour les petits. L’histoire est quant à elle tirée d’une nouvelle de Ryûsuke Saitô qui s’inspire des légendes du Japon ancien : on y retrouve Yûki, petite kami (être divin) de l’hiver, venue avec son cheval blanc dans le monde des hommes pour ramener paix et espoir face à des brigands mais aussi des guerriers détroussant les paysans.

15012706591715263612909374L’intrigue : Yûki est une jeune fille vivant au ciel et élevée par ses grands-parents qui veillent sur la Terre. L’année de ses treize ans, son grand-père l’envoie dans le monde des hommes pour une année afin qu’elle y ramène la paix et soit digne de succéder un jour à ses grands-parents. Si en une année elle réussit sa mission, elle pourra revenir au ciel. Sinon, elle perdra la vie et se transformera en vent glacial. Yûki se retrouve alors dans un village du Japon ancien régulièrement attaqué par des brigands et même des samouraï. La jeune fille fait la connaissance d’un groupe de petits mendiants et décide, avec l’aide d’une petite fille orpheline prénommée Hana, d’aider la population à se débarrasser des pillards. Alors que l’année se termine bientôt, Yûki apprend l’existence d’un  »démon de la montagne » qui aurait déclenché les tourments des villageois et qui serait enseveli sous les glaces. Décidée à mettre un terme à cette violence, Yûki part alors seule dans la montagne pour combattre ce  »démon »… (Planète Jeunesse)

Voici maintenant une petite digression avec DOGURA MAGURA (1988) de Toshio Matsumoto, qui aborde la notion de fantôme avec une touche extrêmement contemporaine puisque ce film fantastique nous plonge en plein dans la psychanalyse transgénérationnelle du protagoniste. La psychanalyse transgénérationnelle appelle « un fantôme », une structure psychique et émotionnelle 15012707022715263612909377parasite, issue de l’un ou de plusieurs de ses ancêtres, portée et agie inconsciemment par un descendant. Cette notion a été introduite dans la psychanalyse à la fin des années 1970 par un personnage tout autant poète que psychanalyste, Nicolas Abraham, et par sa compagne, Maria Török. Ces « fantômes » se signalent principalement par la répétition de symptômes, de comportements aberrants, de schémas relationnels stériles provoquant pour certains des difficultés de vie de toutes sortes et des affections psychiques assez graves. DOGURA MAGURA est l’adaptation d’un roman de Yumeno Kyusaku paru en 1936 et édité en France chez Picquier sous le nom « dogra-magra ».

L’intrigue : Lorsque le jeune Kure Ichido se réveille dans sa cellule d’asile psychiatrique, il ne se souvient de rien. Un docteur barbu et toussotant, le Pr. Wakabayashi, entre dans la pièce et lui explique que suite à un violent choc psychologique, le jeune patient est atteint d’amnésie chronique. Que chaque nuit de sommeil oblitère dans son esprit les souvenirs de la veille. Ichido paraît sceptique, en particulier lorsque que Pr. Wakabayashi lui explique que les troubles mentaux se transmettent de génération en génération et qu’il est le descendant d’un homme célèbre pour avoir, il y a quelques siècles de cela, étranglé sa femme avant d’amoureusement l’observer se décomposer sous ses yeux, prouvant que l’amour peut se passer de plaisir charnel…

Le thème gothique de la malédiction ancestrale est abordé de manière psychanalytique et le personnage Kure Ichido court finalement après un fantôme pour éviter de le fuir. Et pour cela, il traversera plusieurs phases proches de la réincarnation, son esprit revenant sur quelques uns de ses ancêtres. Et DOGURA MAGURA utilise un ton constamment léger pour aborder son sujet.

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LE TOMBEAU DES LUCIOLES (1988, 火垂るの墓, Hotaru no haka) d’Isao Takahata

En plus d’être un magnifique manga fantastique, ce film d’Isao Takahata est sûrement l’un des plus fascinants sujets sur l’après-Deuxième Guerre mondiale direct, la conclusion étant comme une rupture entre deux mondes japonais : l’avant et l’après-guerre. LE TOMBEAU DES LUCIOLES est aussi l’adaptation d’un roman autobiographique d’Akiyuki Nosaka qu’il écrivit en 1967 pour se libérer de la culpabilité et du traumatisme causés par la mort de sa jeune sœur adoptive.

15012707064315263612909379L’intrigue : Durant l’été 1945 dans le Japon de la seconde Guerre Mondiale, deux enfants, Seita et sa jeune sœur Setsuko se trouvent livrés à eux-mêmes après la mort de leur mère, suite au bombardement à la bombe incendiaire de Kōbe par les forces armées américaines. Après avoir vainement tenté de contacter leur père, un officier supérieur de la marine impériale japonaise, Seita et Setsuko partent habiter chez une tante éloignée. Un temps accueillante, la tante traite progressivement les deux enfants comme des fardeaux. Aussi, Seita et Setsuko partent et se réfugient dans un abri désaffecté. Celui-ci est illuminé la nuit par des milliers de lucioles. Les problèmes s’enchaînent : la nourriture vient à manquer et Setsuko tombe malade. Seita se met alors à voler de la nourriture, mais se fait prendre par un fermier. En désespoir de cause, il part en ville vider le compte en banque de ses parents et apprend à l’occasion la capitulation du Japon et la destruction de la marine japonaise. De retour à l’abri avec de la nourriture, il ne parvient pas à sauver Setsuko de la mort. Après l’avoir incinérée, il se laisse à son tour dépérir jusqu’à sa mort, dépeinte au début du film avant un long flash-back. Les esprits des deux enfants, réunis, contemplent le Kōbe moderne…

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PRINCESSE MONONOKÉ (1997, もののけ姫, Mononoke Hime) d’Hayao Miyazaki

Comme NAUSICAÄ DE LA VALLÉE DU VENT ( 風の谷のナウシカ Kaze no Tani no Naushika) que Miyazaki a réalisé en 1984, PRINCESSE MONONOKÉ partage le même thème clé de la relation entre les hommes et la nature.

L’intrigue : À l’époque du japon médiéval, des humains se battent contre les dieux animaux, protecteurs d’une forêt afin de fonder une société humaine. Au coté des dieux se dresse une jeune femme qui se fait appeler Mononoke hime. Ashitaka jeune samourai maudit se retrouve mêlé au conflit…

Évidemment, tout le film est basé sur la créature folklorique du mononoke (écrit 物の怪) qui prend ses origines dans le shintô qui est la religion traditionnelle du japon. « C’est une religion polythéiste, chamanique et animiste. Dans les temples Shintô, les Japonais honorent grâce à des rituels de purification, les kami et par leur intermédiaire, le caractère sacré de la nature. Selon le Kokiji, on compte huit millions de dieux parmi lesquels on trouve les dieux originels, des dieux tutélaires des clans, des phénomènes naturels, mais aussi des esprits des lieux et même d’objets. Ils vivent dans le ciel et descendent périodiquement sur terre dans les sanctuaires et lieux sacrés. 

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Les yokaï ou mononoke proviennent du culte animiste des aborigènes de l’archipel, les Aïnous, et sont incorporés dans l’imaginaire traditionnel japonais à partir du douzième siècle. Ils recouvrent l’ensemble des êtres vivants à caractères fantastiques : monstres, fantômes, démons, esprits mais aussi animaux, lieux et objets doués de pouvoir magique. Les yokaï et mononoke sont polymorphes ce qui autorise une grande liberté au niveau de leur représentation.

Dans PRINCESSE MONONOKÉ, les kami et les yokaï sont visibles par l’ensemble de la population. S’il y a un conflit entre les personnages du bestiaire et les êtres humains, ces derniers reconnaissent l’existence et la puissance des premiers. » (Le bestiaire fantastique dans la trilogie japonaise par Blaise Zagalia)

- Trapard -

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