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ORSON SCOTT CARD A DIT…
Orson Scott Card, célèbre auteur de La Stratégie Ender, a dit :
« La plus grande réussite de l’enseignement de la « grande littérature » ces cinquante dernières années, en Amérique, est d’avoir transformé une génération d’enfants en non-lecteurs parce qu’ils ont appris que tout livre qu’on leur donne en leur disant que c’est un bon livre sera ennuyeux à lire. Et comme la science-fiction était régulièrement tournée en ridicule, de même que la romance, ils ont appris que, si d’aventure ils aiment un livre, ils devraient en avoir honte parce que les livres qu’ils aiment sont de la mauvaise littérature. »
LA DIXIÈME VICTIME (1965)
LA DIXIÈME VICTIME (1965)
LA DIXIÈME VICTIME est un petit classique du cinéma de science-fiction italien, sorti la même année que le FAHRENHEIT 451 de François Truffaut, et là où le Français préférait adapter Ray Bradbury, Elio Petri s’est attaqué à l’œuvre de Robert Sheckley.
À savoir que Sheckley a écrit deux nouvelles futuristes de chasse à l’homme face aux médias : « La Septième Victime » en 1953, qu’Elio Petri a adapté en 1965. Puis « Le Prix du danger » en 1958 dont la télévision allemande a produit « Le jeu des millions » en 1970, réalisé par Tom Toelle. Puis Yves Boisset en a réalisé le célèbre film éponyme, sorti en 1983. La même année, Joe D’Amato reprend le thème de la nouvelle pour le film futuriste, « Le Gladiateur du futur » (1983) et Luco Fulci fait de même avec « 2072, Les Mercenaires du futur » en 1984. Puis Stephen King a écrit une déclinaison de la nouvelle de Sheckley avec « Running Man » en 1982, dont est tiré le film de Paul Michael Glaser, avec Arnold Schwarzenegger sorti en 1987.
La grande différence entre le FAHRENHEIT 451 de Truffaut et le film futuriste d’Elio Petri vient du style nerveux et « Arty » de la réalisation du cinéaste italien. D’ailleurs, ce même style nerveux ajouté à une politisation extrême remplaceront peu à peu l’univers graphique des films de Petri des Sixties, avec UN COIN TRANQUILLE À LA CAMPAGNE (1969), ENQUÊTE SUR UN CITOYEN AU-DESSUS DE TOUT SOUPÇON (1970) et LA CLASSE OUVRIÈRE VA AU PARADIS (1971). Mais la déshumanisation que peuvent engendrer le besoin de reconnaissance par les médias est déjà très présente dans LA DIXIÈME VICTIME. Les années 60 sont aussi les grands débuts de la télévision telle que la vouait déjà Silvio Berlusconi.
L’intrigue : Dans un futur proche, les gouvernements ont décidé de canaliser les pulsions meurtrières de leurs concitoyens afin d’éviter de nouveaux conflits. Pour cela, une « grande chasse », à laquelle chacun peut participer, a été organisée. Les règles sont simples : chaque participant doit survivre à 10 chasses, en étant alternativement le chasseur et la proie, les rares personnes qui y parviennent devenant riches et célèbres. Caroline, une Américaine, en est à sa 10e et dernière participation. Pour triompher de cette ultime épreuve, elle doit tuer sa proie, un Italien nommé Marcello qui a 6 victoires à son actif. Désireuse de maximiser ses gains, Caroline passe un contrat avec une compagnie de thé pour que la mise à mort se fasse dans un lieu romain prestigieux, au beau milieu du tournage d’un spot publicitaire…
Les deux stars du film sont Marcello Mastroianni teint en blond, et Ursula Andress toujours aussi belle et d’apparence froide et dominatrice. Au début du film, elle n’hésite pas à tuer un homme avec deux revolvers cachés dans les balconnets de son soutien-gorge, comme le feront aussi la même année, les BIKINI MACHINE du Docteur Goldfoot.
Comme dans ses meilleurs films, ou en tout cas dans les plus connus en France (LA DOLCE VITA, LA GRANDE BOUFFE, FELLINI ROMA…), Marcello Mastroianni s’appelle… Marcello. Sûrement pour renforcer les conflits culturels italo-américains du couple.
On les suit une grosse partie du film, tel un duo « chasseur-chassé », flirtant ensemble pour apprendre à mieux se connaître, et comme pour chercher à déceler les failles de l’un et de l’autre. Jusqu’à en désacraliser même complètement l’image de l’affectif, du couple et de la famille à l’italienne.
Plus définitif que les adaptations du « Prix du danger », LA DIXIÈME VICTIME montre le thème de la mort avec un recul blasé et amusant, l’élimination d’une « victime » se planifiant et s’orchestrant avec maestria, longtemps à l’avance. Ici, il n’est jamais question d’improvisation, ni de liberté de mouvements (un thème qui ressemble aux actuelles polémiques autours des caméras de surveillance). Et finalement, seuls les sentiments semblent vouloir se frayer un espace vital propre dans ce grand cirque politico-médiatique. Mais est-ce que cela ne fait pas partie des règles de ce grand jeu ?
Et d’une certaine manière, la « mort », le nombre de chasses, les chasseurs et les victimes, la tromperie et le regard d’autrui, tout cet ensemble ressemble très fort aux limites dans l’émancipation de la jeunesse au cours des années 1960.
- Trapard -
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LAURENT GENEFORT A DIT…
Laurent Genefort, écrivain français de science-fiction et de fantasy, a déclaré :
« Le cinéma de SF reste foncièrement adolescent, alors que la littérature a continué de mûrir. Un fossé s’est peu à peu creusé, le cinéma a démocratisé une certaine SF et en a diffusé une image régressive auprès du grand public. »
CITATION CÉLÈBRE : LA NUIT DES TEMPS
« Dehors, c’était une tempête blanche, un blizzard à 200 à l’heure. Folle de détresse, aveugle, nue, elle s’enfonça dans les rasoirs du vent. Le vent s’enfonça dans sa chair en hurlant de joie, la souleva, et l’emporta dans ses bras vers la mort. Elle se débattit, reprit pied, frappa le vent de ses poings et de sa tête, le défonça de sa poitrine en hurlant plus fort que lui. La tempête lui entra dans la bouche et lui tordit son cri dans la gorge. »
(La Nuit des Temps – René Barjavel)
DRIVE-IN : FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON (1965)
FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON (Furankenshutain tai chitei kaijû Baragon)
Année : 1965
Réalisateur : Ishirō Honda
Scénario : Reuben Bercovitch & Takeshi Kimura
Production : Tomoyuki Tanaka
Musique : Akira Ifukube
Pays : Japon
Durée : 89 min
Interprètes : Nick Adams, Tadao Takashima, Kumi Mizuno…
Tout le schéma du film d’Ishirō Honda est finalement dans ce titre de FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON : ou quand la science de la vieille Europe rencontre l’atome nippo-américain (autrement dit, le blocus américain au Japon).
L’intrigue : Durant la Seconde Guerre mondiale, le cœur de la créature de Frankenstein débarque au Japon. Il est amené dans un laboratoire d’Hiroshima où des scientifiques procèdent à sa transplantation dans un cadavre. Mais, alors que l’opération vient de s’achever, la bombe atomique s’abat sur la ville. Des années plus tard, le monstre est recueilli par un scientifique américain et son assistante japonaise. Sous l’effet des radiations, il commence à grandir jusqu’à atteindre la taille d’une maison. Aucune cage ne pouvant plus désormais le retenir, le monstre s’évade et se réfugie dans la forêt. En même temps, Baragon, un dinosaure mutant, sort de sa cachette souterraine et se livre à des raids destructeurs…
FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON est une sorte de prolongement hybride entre les aventures du comte Frankenstein, des adaptations du « Cerveau du Nabab » (DONOVAN’S BRAIN, LA FEMME NUE ET SATAN, THE BRAIN, et LE CERVEAU QUI NE VOULAIT PAS MOURIR), de la mutation atomique humaine (LE TUEUR AU CERVEAU ATOMIQUE, LE FANTASTIQUE HOMME COLOSSE, L’ATTAQUE DE LA FEMME DE 50 PIEDS...) et d’un bon kaiju-eiga dérivé de GODZILLA. Ou le métissage culturel international parfait pour une exportation de masse. Jugez-en d’ailleurs aux différents titres d’exploitation : « Frankenstein vs. Baragon », « Frankenstein Conquers the World », « Frankenstein Meets the Giant Devil Fish », « Frankenstein and the Giant Lizard », « Frankenstein vs. the Giant Devil Fish », « Frankenstein vs. the Subterranean Monster »...
En dehors des messages politiques faux-culs concernant Hiroshima qui me poussent à préférer le cinéma déjanté des 60′s d’un Seijun Suzuki ou de Nagisa Ōshima, il y a malgré tout chez Ishirō Honda beaucoup de cet univers grotesque et absurde cher aux « Craignos Monsters ». C’est aussi le genre de films rachetés par la télévision américaine comme l’AI.P.-TV qui diffusait des films italiens, japonais ou soviétiques remontés avec des anciennes stars des années 30 et 40 (Basil Rathbone, John Carradine…) jouant dans de nouvelles scènes insérées pour modifier l’intrigue originelle. Ainsi, l’un des plus grands acteurs japonais, Takashi Shimura (rendu célèbre par les films de Kenji Mizoguchi et d’Akira Kurosawa), apparait à l’âge de 60 ans dans une courte scène qui ne dure pas plus d’une minute. Même Akira Ifukube, le créateur de la B.O. du premier GODZILLA de 1954, signe celle de FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON en créant des variantes patriotiques américaines du thème principal du roi des monstres.
L’idée du film produit par les deux complices de l’A.I.P., Samuel Z. Arkoff et James H. Nicholson, est aussi de surenchérir derrière la folie d’un KING KONG CONTRE GODZILLA en 1962. À l’origine, Godzilla devait même combattre la créature de Frankenstein à la suite de Baragon, ce qui ne s’est pas fait, sûrement en raison de droits d’auteur entre l’A.I.P. et la Tôhô. En tout cas, la version que je connais est l’alternative avec la pieuvre géante Oodako apparaissant au moment où Baragon s’esquive en se cachant sous la roche. La scène du combat final entre monstres est épique et fait vite oublier les longueurs du reste du film.
C’est sûrement aussi à partir de ce milieu des années 60 que Frankenstein et sa créature ont été complètement dissociés pour ne devenir qu’une simple entité monstrueuse nominative, sans dieu ni maître, et se suffisant à elle-même (voir aussi FRANKENSTEIN MEETS THE SPACE MONSTER).
Quand au géant Baragon, sorte de tortue préhistorique mutante cracheuse de flammes, avec des oreilles de koala et un nez de taupe foreuse, il s’agit de sa toute première apparition dans ce FRANKENSTEIN CONTRE BARAGON. Mais on la recroise, affrontant du beau monde dans LES ENVAHISSEURS ATTAQUENT sorti en 1968.
- Trapard -
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DRIVE-IN : LES MANGEURS DE CHAIR (1964)
LES MANGEURS DE CHAIR (The Flesh Eaters)
Année : 1964
Réalisateur : Jack Curtis
Scénario : Arnold Drake
Production : Jack Curtis, Terry Curtis & Arnold Drake (Cinema Distributors of America)
Musique : Julian Stein
Pays : États-Unis
Durée : 91 min
Interprètes : Martin Kosleck, Byron Sanders, Barbara Wilkin…
LES MANGEURS DE CHAIR (1964, The Flesh Eaters) est une très bonne surprise. Il s’agit de l’unique réalisation de Jack Curtis, un doubleur de dessins animés et de films japonais. On lui doit aussi les dialogues anglais d’un film français (ILS SONT NUS) et d’un film d’horreur argentin (PLACER SANGRIENTO).
L’intrigue : Une actrice alcoolique, sa secrétaire et un pilote d’hélicoptère sont contraints par le mauvais temps à se poser sur une île isolée. Malheureusement pour eux, cette île sert comme base d’expérimentation à un scientifique nazi qui essaye de mettre au point un puissant solvant capable de dissoudre les chairs humaines…
THE FLESH EATERS est un film de science-fiction horrifique extrêmement bien réalisé avec quelques relents surréalistes à la Luis Buñuel lorsqu’un beatnik survolté débarque sur l’île à bord d’un radeau minuscule avec seulement, à son bord, un phonographe diffusant du jazz à plein volume. Le rythme du film est constamment soutenu, sans temps mort, à la manière d’Orson Welles, certains cadrages rappellent même, à certains égards, LE PROCÈS (1962), ce qui est plutôt étonnant pour une première réalisation.
Pour ce qui est du solvant dévoreur de chairs, son origine est dévoilée tout le long du film. Il prend quelquefois des formes surprenantes à l’aide d’effets spéciaux plus ou moins réussis, jusqu’à l’immense créature finale qui ressemble à une sorte de crabe radioactif géant. La scène où le beatnik ingurgite une lotion fatale et voit ses tripes lui jaillir des intestins ramène aux futurs effets gores de STREET TRASH (1987).
On a aussi droit à une autre scène gore vers la fin du film, avant le combat final entre le héros et le monstre. Un combat d’anthologie qui conclut un film vraiment étonnant dont il n’existe malheureusement aucune édition française.
- Trapard -
LA SCÈNE GORE QUI ANTICIPE STREET TRASH :
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CITATION CÉLÈBRE : LES SEIGNEURS DE L’INSTRUMENTALITÉ
« La forme dorée sur les marches d’or tremblait et voltigeait comme un oiseau devenu fou – comme un oiseau doué d’un intellect et d’une âme, et pourtant poussé à la folie par des extases et des terreurs au-delà de l’humaine compréhension – des extases incarnées momentanément dans la réalité par l’exécution d’un art superlatif. Un millier de mondes regardaient. »
(Les Seigneurs de l’Instrumentalité – 1 – Cordwainer Smith)
RÉTROFICTIONS, l’encyclopédie de la conjecture romanesque
RÉTROFICTIONS, L’ENCYCLOPÉDIE DE LA CONJECTURE ROMANESQUE RATIONNELLE FRANCOPHONE, DE RABELAIS À BARJAVEL, 1532-1951
« Auteurs du monumental essai bibliographique Les Terres creuses (2006) consacré aux mondes souterrains imaginaires, Guy Costes et Joseph Altairac explorent cette fois, avec Rétrofictions, les domaines de l’utopie, des voyages extraordinaires, du merveilleux scientifique et de la science-fiction ancienne, en reprenant à leur compte le concept unificateur de « conjecture romanesque rationnelle » théorisé par l’encyclopédiste Pierre Versins.
Cette entreprise ne constitue cependant pas une simple mise à jour de sa célèbre Encyclopédie de l’utopie, des voyages extraordinaires et de la science fiction (1972) : en effet, Rétrofictions concerne exclusivement les productions francophones, mais recensées dans une perspective d’exhaustivité, à partir de 1532, date de publication du Pantagruel de Rabelais, jusqu’à la création en 1951 du « Rayon Fantastique » et d’ « Anticipation », premières collections françaises de science-fiction.
L’ouvrage propose près de 5000 entrées onomastiques consacrées aux auteurs de 11000 occurrences dans des genres et sur des supports les plus divers (littérature, poésie, théâtre, bande dessinée, illustration, cinéma, radiodiffusion, carte postale, assiette ornée, etc.), œuvres dont l’appartenance à la conjecture rationnelle se trouve à chaque fois justifiée par un extrait ou un descriptif, accompagnés de données bibliographiques précises. La reproduction de plus de 1000 documents iconographiques témoigne de l’importance accordée par les auteurs à l’illustration au sens large.
Enfin, un imposant index thématique achève de faire de Rétrofictions un ouvrage de référence et un outil indispensable aussi bien à l’amateur et au collectionneur qu’au chercheur travaillant sur l’histoire et l’évolution de la science-fiction francophone sous toutes ses formes. »
Ce ne sont pas les ouvrages de référence sur l’Imaginaire qui existent, mais il est évident que Rétrofictions (éd. Encrage, septembre 2018) se distingue de bien des autres à de nombreux niveaux, et non des moindres. D’abord parce que cette encyclopédie se consacre uniquement à l’Imaginaire français, pardon, à la « conjecture romanesque rationnelle » française, de ses débuts à 1951. Ensuite parce que Rétrofictions étale ses incroyables trouvailles sur deux monstrueux volumes dont le premier regroupe plus de 1200 pages et le second plus de 2400 ! Enfin parce que nous sommes là face à un travail titanesque, qui donne le vertige tant ses auteurs ont collecté, par je ne sais quel miracle, cette somme indescriptible de documents, de descriptifs et de données bibliographiques sur la « conjecture romanesque rationnelle française » ! D’ailleurs, j’en profite pour citer Gérard Klein dans sa préface du volume 1 :« On se demande non seulement comment les auteurs ont pu lire une telle masse de textes et les décrire, mais déjà comment ils ont réussi à les dénicher parfois dans les publications les plus improbables. » Nous sommes bien d’accord !
Rétrofictions, encyclopédie unique en son genre et qui le restera certainement à jamais, se consulte, se feuillette, avec grand plaisir. Richement illustrée, elle nous dévoile au fil de ses pages des trésors inconnus, des OLNI (objets littéraires non identifiés) et des extraits savoureux. On sourit face à cet Imaginaire balbutiant qui se permet souvent bien des libertés, face à sa touchante naïveté et son audace, on découvre les yeux écarquillés, tels des explorateurs des contrées du Rêve, des œuvres étonnantes que jamais nous n’aurions pu soupçonner. Tout simplement magnifique.
- Morbius – (morbius501@gmail.com)
Pour en savoir plus : entretien avec l’un des auteurs, Joseph Altairac.
ROBOT-CRAIGNOS (110)
Les films mexicains de drive-in regorgeaient de petites merveilles de la robotique autant obscures qu’ingénieuses. Pensez par exemple à LA MOMIE AZTÈQUE CONTRE LE ROBOT (1958) ou aux zombies mécaniques affrontant Neutron dans NEUTRÓN EL ENMASCARADO NEGRO (1960), NEUTRÓN CONTRA EL DOCTOR CARONTE (1960), LOS AUTÓMATAS DE LA MUERTE (1960), NEUTRÓN CONTRA LOS ASESINOS DEL KARATE (1964) et NEUTRÓN CONTRA EL CRIMINAL SÁDICO (1964). Et même la fine équipe des Luchadoras affrontaient un assassin électronique dans LAS LUCHADORAS CONTRA EL ROBOT ASESINO (1969) de René Cardona.
À ce beau palmarès, il ne manquait qu’Orlak, le curieux cybernaute de film ORLAK, EL INFIERNO DE FRANKENSTEIN (1960) de Rafael Baledón.
L’intrigue : Un ex-détenu, Jaime, parvient à délivrer de sa prison le docteur Frankenstein, un savant fou. Ce dernier amène Jaime dans son laboratoire et introduit son esprit dans Orlak, une créature au squelette de métal. Contrôlable a distance par le savant, Orlak peut parler, résister au blessures mais il a terriblement peur du feu. Frankenstein utilise alors Jaime/Orlak pour se venger des personnages qui l’ont fait mettre en prison…
Le grand intérêt du film de Rafael Baledón est de mélanger les genres gothiques et science-fictionnels, chose très fréquente dans le cinéma de genre mexicain, à une époque où le péplum italien bouleversait lui aussi les codes du genre. Une réponse alternative au cinéma d’auteur qui prenait le dessus sur le cinéma d’exploitation dans les années 60 ?
Du coup, Orlak est un homme mécanique qui utilise d’abord l’apparence physique de Jaime (incarné par l’acteur Joaquín Cordero), avant de n’être plus qu’un créature décharnée, bouclant ainsi la boucle vers un univers proche de celui du roman de Mary Shelley.
- Trapard -
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PRÉ-AFFICHES POUR GODZILLA, KING OF THE MONSTERS
Voici les trois premières superbes affiches qui annoncent l’un des événements cinématographiques majeurs de l’année prochaine…
