« Il y avait une ville au-delà de la factorerie, également édifiée toute en cristal et située sur de la roche noire émergeant de la vase. De grosses plantes, qui ressemblaient à de la vigne, poussaient un peu partout, portant des fruits en forme de bulbe. Une odeur écœurante de pourriture flottait sur le tout, et il régnait une chaleur moite, oppressante. »

(Les Hommes Stellaires – Leigh Brackett)

De Philip K. DICK à Ridley SCOTT

Aux yeux des amateurs, Les Androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? et Blade Runner ne bénéficient pas forcément du même statut. Le roman de Philip K. Dick est considéré avant tout comme un bon cru de son auteur, parmi d’autres - Ubik, Le Maître du Haut Château - tandis que le film de Ridley Scott, après un démarrage difficile dans les salles obscures, a acquis le statut de chef-d’œuvre incontournable du cinéma de science-fiction et constitue sans doute l’une des œuvres les plus abouties du réalisateur d’Alien.

Se pose alors une question : en dépit de ses qualités manifestes, le roman aurait-il aujourd’hui la même notoriété sans l’influence, toujours vivace, du long-métrage ? Une chose est sûre, l’utilisation du film comme argument de vente s’est rapidement imposée aux éditeurs qui, non contents d’en exploiter l’affiche comme illustration de couverture, phénomène marketing somme toute courant, sont allés jusqu’à modifier le titre (traduit initialement en France par Robot Blues), ainsi que toutes les occurrences de l’expression « chasseur de primes » présentes dans le roman, par celle de « Blade Runner », elle-même empruntée à William Burrough par les scénaristes du film. Néanmoins, la dernière édition en date, proposée par les éditions J’ai lu, a rétabli Rick Deckard dans ses fonctions originelles et replacé Les Androïdes rêvent-ils de moutons électrique ? en sous-titre sur la couverture… mais pas au dos d’un roman qui s’intitule donc toujours officiellement : Blade Runner.

Alors, Les Androïdes est-il le roman de Dick qui a inspiré un film, ou seulement un roman dont est tiré le film de Scott ? La réponse se trouve sans doute dans un de ces univers alternatifs dont l’écrivain avait le secret. Ce qui ne doit pas nous empêcher d’examiner les deux œuvres pour mieux comprendre la nature des liens qui les unissent… ou des innovations scénaristiques (nombreuses) qui les distinguent.

De San Francisco…

L’histoire des Androïdes se déroule en 1992, un futur relativement proche lors de la publication du roman en 1968.

À la suite de la Dernière Guerre Nucléaire – dont plus personne ne sait pourquoi, ni par qui, elle a été déclenchée – d’importantes retombées radioactives ont rendu la plupart des terres inhabitables. Première conséquence liée à ce conflit planétaire, une grande partie de la population a émigré vers les colonies martiennes. Parmi les hommes qui ne les ont pas rejointes, se distinguent deux catégories d’individus : les Normaux, qui ne peuvent se résoudre à abandonner la Terre et les Spéciaux, que les retombées ont rendus inaptes à la « préservation de l’espèce » et se sont vus refuser l’accès aux colonies. Seconde conséquence, la plupart des animaux sont morts et les quelques spécimens ayant survécu, ou leurs copies synthétiques, occupent désormais une place prépondérante dans la société. Troisième et dernière conséquence, pour faciliter le développement des colonies, l’humanité a mis au point des androïdes organiques capables de survivre dans n’importe quel environnement. Ces derniers sont devenus un argument commercial supplémentaire pour inciter à l’émigration, chaque colon s’en voyant attribuer un pour son usage personnel. Les androïdes sont strictement interdits sur Terre et dépourvus d’empathie, ce qui permet de les détecter grâce à des tests sensés provoquer une réponse émotionnelle (le Voigt-Kampff) ou un arc réflexe du système nerveux (le Boneli).

En dépit de son contexte post-nucléaire, le monde décrit par Dick ne s’inscrit pas vraiment dans l’imagerie traditionnelle de ce sous-genre de la science-fiction, décliné aujourd’hui jusqu’à l’écœurement, pour la simple raison que dans les années 60 (et même si Dick s’y était déjà essayé brillamment en 1953 avec sa nouvelle Le Grand O), le genre post-apocalyptique n’avait pas encore acquis la visibilité, ni la popularité, que devaient lui offrir des œuvres séminales telles que les Mad Max de George Miller, à la fin des 70′s. Exit donc la société effondrée, survivant dans les ruines du vieux monde à l’agonie. Même si de nombreux territoires ont été laissés à l’abandon et qu’il flotte constamment dans le ciel de San Francisco des nuages de particules radioactives, la plupart des habitants semblent vivre dans un relatif confort et disposer d’une technologie pour le moins sophistiquée, héritée tout droit de la SF de l’Âge d’or : aéromobiles, pistolets laser, orgues d’humeur, animaux électriques, mais également télévision, la vie des gens s’articulant essentiellement autour de deux programmes ultra-médiatiques : le talk-show de l’Ami Buster et le Mercerisme.

Si le premier apparaît comme le pendant débridé des célèbres émissions de Jerry Springer, le second s’apparente davantage à une nouvelle forme de religion, dont le message impacte toute l’humanité, sur Terre comme sur Mars. Grâce à une console, baptisée « boîte à empathie », les adeptes du Mercerisme peuvent partager pensées et sensations (on parle d’ailleurs de « fusion physique ») à travers l’esprit de Wilbur Mercer, vieillard condamné à gravir inlassablement le flanc d’une colline, sous les jets de pierres d’ennemis invisibles. Ce culte de l’Ascension, inaccessible à ceux qui ne prennent pas soin d’un animal – vivant, si possible, ou au pire synthétique… ce qui n’est pas franchement bien vu – explique la véritable fixation qui s’est développée sur Terre autour de la possession d’un animal domestique. D’autant qu’y déroger dénote une attitude immorale, voire une absence suspecte d’empathie.

… à Los Angeles

Le film de Ridley Scott laisse de côté San Francisco, peut-être trop connectée à l’univers personnel de Dick, ainsi qu’à la contre-culture hippie. Initialement, son film devait se situer à New York, mais une scène se déroulant dans le 2nd Street Tunnel, aisément reconnaissable à l’écran (par le public américain !), l’intrigue fut transposée à Los Angeles. En réalité, cette localisation n’a pas vraiment d’importance, puisque c’est avant tout un nouvel archétype de la ville du futur que Scott nous propose, personnage à part entière de son film, à l’instar de la Metropolis de Fritz Lang ou de la cité souterraine, imaginée par Moebius pour sa bande dessinée The Long Tomorrow. Surpeuplé, inhumain, plongé dans une nuit éternelle, délavé par des pluies incessantes, le Los Angeles de Blade Runner apparaît sans conteste comme la première réussite du film, à tel point qu’il constitue encore aujourd’hui le modèle architectural indépassable pour tout artiste désireux de représenter un environnement urbain futuriste esthétiquement acceptable.

Ce changement de lieu s’accompagne également d’un changement d’époque. Forcément, en 1982, l’échéance posée par Dick risque de paraître un peu trop proche aux spectateurs pour rester crédible. Se déroulant en novembre 2019 (c’est à nous, maintenant, que l’échéance semble courte), Blade Runner ne conserve du background, décrit dans le roman, que les éléments saillants : comment le monde en est-il arrivé à un tel état de délabrement ? Où se situent les « colonies de l’espace » ? Pourquoi une partie de la population a-t-elle choisi de rester sur Terre ? Charge au spectateur de remplir le hors-cadre avec ses propres conjectures.

Si les références au Mercerisme – ainsi qu’à l’Ami Buster – sont toutes évacuées du film, les animaux continuent en revanche d’y jouer un rôle important, quoique de second plan. Cristallisateurs, chez Dick, de l’empathie humaine et centre de leurs attentions (en somme, tout ce qui est refusé aux androïdes), ils semblent désormais se confondre avec les Réplicants dans une sorte de relation totémique : le regard de Roy Batty et celui du hibou de la Tyrell Corporation, Zhora trahie par les écailles de son serpent, Deckard comparé à un poisson froid par sa propre voix-off, avant que celle-ci ne soit retirée des versions director’s cut du film. 

Du chasseur de primes…

Dans son récit, Philip K. Dick nous offre de suivre deux intrigues parallèles, développées à parts quasiment égales : celle de Rick Deckard et celle de John R. Isidore.

Deckard est un Normal, marié et chasseur de primes de second rang. Lorsque son collègue Dave Holden se retrouve à l’hôpital, après une mauvaise rencontre avec un androïde de classe Nexus-6 qu’il était chargé de « retirer », Deckard récupère le dossier. Il y voit l’opportunité de remporter assez d’argent pour s’offrir, ainsi qu’à sa femme, un véritable animal de compagnie. De fait, le couple ne dispose au début de l’histoire, que d’un mouton électrique, symbole artificiel d’une quête de respectabilité vis-à-vis de ses voisins, d’un désir de se conformer aux normes morales imposées par le Mercerisme, ainsi qu’aux valeurs familiales en donnant l’illusion d’une union épanouie dont les rapports  sont en fait régulés artificiellement (on n’en sort pas) par un « orgue d’humeur ».

Ainsi, l’enquête de Deckard, qui s’étend sur une seule journée, s’apparente davantage à un voyage initiatique qui se conclura par une Ascension, à la fois physique et spirituelle. Entrant en relation avec divers personnages : Rachael (la nièce d’Eldon Rosen, dont la fondation a conçu les Nexus-6), la chanteuse d’opéra Luba Luft ou encore le chasseur de primes Phil Resch, le héros va être amené à se reconnecter avec ses émotions, à modifier les sentiments qu’il éprouve pour ses semblables, qu’ils soient humains ou synthétiques, et à prendre conscience du caractère éphémère de la vie. Autant de transformations intérieures matérialisées par un crapaud, autre animal-totem, que Deckard ramasse dans le désert pour le ramener chez lui.

John R. Isidore apparaît comme le pendant, en négatif, de Rick Deckard. C’est un Spécial qui travaille comme chauffeur-livreur pour une clinique vétérinaire, spécialisée dans la réparation d’animaux synthétiques. A la différence du chasseur de primes, il est l’unique occupant d’un immeuble délabré, situé dans un quartier en marge du centre-ville. Isidore ne possède pas d’animal, mais est décrit comme un fervent adepte du Mercerisme. Les deux personnages vont partager deux expériences déterminantes en tombant amoureux du même modèle d’androïde (Pris/Rachael) et en ayant chacun sa vision de Wilbur Mercer. Ces expériences les conduiront toutefois à des prises de consciences opposées : une volonté de revenir vers ses semblables pour Isidore et la tentation d’aller mourir seul, dans les terres désolées du Nord, pour Deckard.

… au Blade Runner

Le film conserve la structure binaire du roman, sans l’appuyer de façon aussi explicite. Rick Deckard n’a plus rien du petit fonctionnaire, somme toute banal, décrit par Dick. Il est devenu une nouvelle incarnation du privé de roman noir à la Hammett. De son passé, de ses motivations, le scénario nous livre le minimum, distillant çà et là quelques indices qui permettent à l’imagination de gambader, d’échafauder diverses théories. La version originelle de 1982 nous apprenait qu’il avait été marié et que sa femme l’avait quitté. Le director’s cut s’en dispense. Dans tous les cas, une grande question subsiste, à laquelle Ridley Scott et Harrison Ford ont chacun apporté leurs réponses contradictoires : le personnage est-il vraiment humain ?

À l’autre bout de la ville, loin de l’appartement-grotte du Blade Runner mutique, J.R. Isidore est devenu J.F. Sebastian. Le chauffeur-livreur s’est transformé en un brillant généticien. Pour autant, il vit lui aussi comme un paria dans les ruines du Bradbury Hotel, entouré par une cour d’automates qu’il s’est lui-même fabriquée pour tromper sa solitude. J.F. est rendu « spécial » par le biais d’une maladie génétique (le syndrôme de Mathusalem) qui le fait vieillir prématurément, comme les Nexus-6 à l’élaboration desquels il a contribué. Ironiquement, cette dégénérescence génétique lui interdit tout espoir de rejoindre un jour les colonies de l’espace. Comme son modèle littéraire, le personnage va tomber sous le charme manipulateur de Pris, la belle androïde, mais l’intrigue s’en débarrassera un peu trop rapidement, dès lors qu’il aura servi le dessein de Roy Batty, en l’aidant, malgré lui, à rencontrer son créateur, Eldon Tyrell. Parce qu’au final, dans Blade Runner, les véritables héros sont plus les machines que les hommes.

Des androïdes… 

Les androïdes de Philip K. Dick rêvent-ils seulement de moutons électriques ? Si l’on en croit ce que raconte leur meneur Roy Batty à J.R. Isidore, ils en ont surtout eu assez de subir les tâches ingrates auxquelles les humains les soumettaient dans les colonies et ne supportaient plus de se sentir moins importants à leurs yeux que la plus insignifiante araignée. En venant sur Terre, ils aspirent à se mêler à la population et à vivre comme tout un chacun. Malheureusement, certains membres du groupe vont opter pour des professions peu discrètes – policier, chanteuse d’opéra… – qui faciliteront leurs pertes.

Dick décrit ses androïdes comme des êtres froids et méthodiques, mais non dépourvus de personnalités. Leur rôle consiste avant tout à permettre à Deckard d’évoluer d’un rapport de soumission à l’empathie, telle que prêchée par le Mercerisme, à une perception beaucoup plus contradictoire, autrement dit plus « humaine », de ses sentiments. Comment concilier le fait que la société commande de prendre soin d’un animal (même synthétique), tout en jugeant nécessaire l’exécution de machines pourtant capables d’une certaine forme d’émotion ? Qui est le plus humain, de l’androïde qui cherche à vivre comme tout le monde et du chasseur de primes qui les abat sans remords ? Peut-on aimer un(e) androïde ? 

… aux Réplicants

Les quatre Réplicants de Blade Runner ont une toute autre motivation. Ils reviennent sur Terre pour y retrouver leur créateur, le dirigeant de la Tyrell Corporation, afin de lui demander d’augmenter leur espérance de vie, limitée à quatre ans (une donnée déjà présente dans le roman, sans qu’elle paraisse véritablement affecter les androïdes). Batty et Léon mènent donc leur petite enquête qui, grâce à Pris, va les conduire à J.F. Sebastian, gardien de la pyramide-sanctuaire, dans laquelle s’est retranché Eldon Tyrell. Les motivations et, par là même, la fonction narrative des androïdes changent donc profondément en passant du support à un autre.

Dans le film, le rapport de force s’inverse. Les Réplicants ne sont plus présentés comme des jalons dans l’évolution personnelle de Deckard. C’est le Blade Runner lui-même qui va offrir à Batty l’opportunité de se réaliser en tant qu’être sensible, lorsque la machine, devenue figure christique, jusque dans les clous qu’elle se plante dans la paume des mains, choisit finalement de sauver l’Homme d’une mort certaine, au prix d’un geste de bonté purement désintéressé.

De Ridley SCOTT à Denis VILLENEUVE : Blade Runner 2049 (2017)

En venant « retirer » le Nexus 8 Sapper Morton dans le complexe agricole où il se cache depuis des années, l’officier K. (Ryan Gosling), découvre une malle enterrée au pied d’un arbre mort. Examinée par le service scientifique du LAPD, la boîte de Pandore révèle l’incroyable secret qui y a été déposé : des ossements humains appartenant à une femme artificielle morte pendant son accouchement. Devant l’ampleur de cette découverte, et craignant qu’elle ne soit exploitée par un groupe de rebelles répliquants que la police de Los Angeles tente en vain de démanteler, le Lieutenant Joshi (Robin Wright) ordonne à K., lui-même un nouveau modèle de Répliquant programmé pour servir docilement ses maîtres, de retrouver la trace de l’enfant et, s’il vit toujours, de le supprimer. L’existence de ce chaînon manquant entre humains et machines intéresse également Niander Wallace (Jared Leto), dont la société produit l’alimentation qui a permis à l’humanité de se maintenir après le terrible Black Out, et assure la fabrication des Nexus, depuis la faillite de la Tyrell Corporation.

Le scénario de Michael Logan Green est l’adaptation d’un traitement écrit, sous forme de nouvelle, par Hampton Fancher, scénariste du premier Blade Runner. Celui-ci a utilisé, en accord avec Ridley Scott (producteur de BR2049), le prologue du complexe agricole, abandonné en 1982 pour des raisons de temps et de budget. En réintégrant la scène d’ouverture originelle de Blade Runner et en reprenant à grands traits la trame de ce dernier, tout en restant accessible aux spectateurs qui ne l’ont jamais vu, Villeneuve et Scott ont fait de BR2049 une œuvre singulière, à la fois suite et relecture de l’originale.

Si l’on en croit les informations disséminées dans la presse spécialisée, il semblerait que la volonté de renouer avec l’esprit de Blade Runner incombe avant tout à Scott. Problème. La réussite de son film tenait moins à la profondeur de l’enquête menée par Deckard, pur hommage au film noir américain, qu’à l’alchimie inattendue de divers talents et sources d’inspirations : le roman de Philip K. Dick, le scénario de Fancher et David Peoples, le design imaginé par Syd Mead, les effets spéciaux de Douglas Trumbull, l’esprit du magazine Métal Hurlant et les dessins de Moebius, les interprétations à fleur de peau de Ford et de Rutger Hauer, la musique lancinante de Vangelis et enfin la capacité de Scott à canaliser toute cette énergie créatrice dans une mise en scène irréprochable. Tenter de ressusciter cette magie était certes louable, mais somme toute utopique, l’énergie qui peut galvaniser une équipe sur un tournage ne se commandant pas. Il n’y a qu’à comparer les bonus du Hobbit avec ceux du Seigneur des Anneaux pour s’en convaincre.

Blade Runner était un film lent, souvent contemplatif, ponctué de scènes d’action aussi fugaces que violentes. Villeneuve, par respect pour son matériau d’origine, mais peut-être aussi poussé par les exigences de son producteur et la volonté honorable de rompre avec les montages souvent hystériques des blockbusters actuels, a malheureusement tendance à entraîner BR2049 sur la pente dangereuse de l’auto-contemplation (l’interminable scène d’investigation l’orphelinat). Noyés dans le courant d’une intrigue qui n’a parfois pas grand-chose à dire, mais s’étire malgré tout au-delà du raisonnable, comme si cet étirement était sa seule raison d’être, la plupart des personnages finissent eux aussi par s’y dissoudre, et leurs motivations par perdre en netteté, y compris Deckard qui n’arrive jamais à justifier sa présence dans le film au-delà de son rôle de McGuffin.

Pour autant, si l’on peut regretter la difficulté de BR2049 à trouver un rythme satisfaisant et à donner à ses personnages des motivations claires, il faut reconnaître que le film de Villeneuve apparaît comme une véritable réussite visuelle qui permet au spectateur de prolonger l’exploration des bas quartiers de Los Angeles, rongés par le smog et les pluies acides, et s’offre même plusieurs escapades vers de nouveaux territoires – le fameux complexe agricole, les ruines de San Diego et celles de Las Vegas – qui contribuent à réduire l’écart avec le roman de Dick. Pour le coup, le réalisateur a le bon goût de ne pas jouer la carte de la surenchère numérique, ni de l’esbroufe pyrotechnique et se réapproprie avec élégance l’esthétique à la fois déliquescente et ultra-technologique (l’architecture organique de la Wallace Corporation) de son modèle.

BR2049 n’aurait-il donc à offrir que sa magnifique esthétique et une poignée de scènes réussies (ce qui le placerait déjà, haut la main, au-dessus de l’embarrassant Ghost in the Shell de Rupert Sanders) ? Heureusement non, grâce à Joe K., héros kafkaïen en qui l’inexpressivité du jeu de Ryan Gosling fait merveille. Blade Runner soumis aux ordres d’une supérieure tyrannique, K. est un androïde qui accepte sa condition et trompe sa solitude avec Joi (Ana de Armas), un plantureux hologramme. L’enquête qu’il va mener pour retrouver l’enfant de Rachael l’entraînera de désillusion en désillusion. En dépit de tout ces revers, K. va parvenir à se hisser au-dessus de sa condition de machine et accomplir un acte de total liberté en réunissant un père et sa fille. A l’image du film de Villeneuve, il est un produit qui se cherche une légitimité et finit, peut-être, par la trouver comme passeur de relais entre l’ancienne génération – Deckard, le Blade Runner de Scott et, au-delà, ses aficionados – et la nouvelle, celle qui découvre cet univers par le biais de BR2049. Un méta-héros au service d’une œuvre parfois maladroite, mais généreuse, qui laisse entrevoir un renouveau bienvenu de la science-fiction sur grand écran.

 - Le Hangar Cosmique -

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On se la coule douce depuis des mois sur Les Échos d’Altaïr, hein, vous trouvez pas ? C’est presque une année sabbatique pour les 10 ans du blog, presque ! Et c’est là où, sortant de notre léthargie, ouvrant un œil puis l’autre, étirant les bras en baillant, nous nous sommes dits que vous vous ennuyiez peut-être durant ce weekend ou, pire, durant ces vacances. Vous voyez, on pense quand même à vous. Alors, embarquant à bord de notre croiseur C-57D (PLANÈTE INTERDITE, ça vous parle ?…) nous sommes allés jusqu’à la nébuleuse Mutara (oui, oui, jusque là) pour vous ramener les fiers vaisseaux vedettes de STAR TREK II : LA COLÈRE DE KHAN. Grâce à la fabuleuse invention du professeur Wayne Szalinski (CHÉRIE, J’AI RÉTRÉCI LES GOSSES, ça vous dit quelque chose ?…), nous avons pu les réduire à l’état de simples objets miniatures. Vous les trouverez ICI. Ne reste plus qu’à les imprimer, les découper, les plier puis les coller et les exposer dans votre joli microdiorama. Plus facile que de bâtir un bâtiment de Starfleet dans un dock spatial ! Allez, on retourne vite fait dans nos caissons d’hibernation. À un jour prochain !

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Né en 1943 et mort en 2002, Ron Walotsky est un artiste américain de science-fiction et de fantasy. Il a connu une longue et riche carrière dans le domaine des couvertures de livres et de magazines dédiés aux genres de l’Imaginaire. Ron Walotsky a ainsi réalisé des couvertures pour des romans de Stephen King, Anne Rice, Bruce Sterling, Roger Zelazny, Robert Silverberg et beaucoup d’autres encore. Il a été nominé à douze reprises pour les Chesley Awards (association d’artistes de SF et de fantastique qui remettaient autrefois les ASFA Awards, ancien nom des Chesley Awards).

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Il y a quelques jours, je suis tombé sur le hors-série « Science-Fiction : explorer l’impossible » de la revue Géo Ado. Au fil des pages, je m’arrête sur une interview d’une certaine Jeanne-A Debats, « prof de lettres, écrivaine de SF et de fantasy, déléguée artistique des Utopiales » (1er festival de SF en Europe). Bref, ça en jette, on veut nous faire comprendre dès le départ que ce n’est pas n’importe qui cette Jeanne, hein. Euh… en ce qui me concerne, désolé, je n’ai jamais entendu parler de cette fameuse autrice. Mais c’est vrai que je ne suis qu’un p’tit plouc des îles.

Et voilà que je lis la grande déclaration de notre « prof de lettres, écrivaine de SF et de fantasy, déléguée artistique des Utopiales » (1er festival de SF en Europe) : 

« Le cinéma a 40 ans de retard sur les romans de science-fiction. » Ah oui ?… tant que ça ?…

« On continue d’adapter les mêmes auteurs, de raconter des histoires déjà vues, alors qu’il s’est passé beaucoup de choses en SF depuis les années 70 ! »

Comme il est bien pratique de taper sur ce bâtard de cinéma SF, surtout lorsqu’on est « prof de lettres, écrivaine de SF et de fantasy, déléguée artistique des Utopiales » (1er festival de SF en Europe). Mais la dame en est restée sur les éternels clichés, les blockbusters bourrés de fric, les produits sitôt vus sitôt oubliés. Oui, c’est vrai, il y en a beaucoup. Surtout des reboots, des remakes, des suites à ne plus savoir qu’en faire.

Cependant, c’est oublier un peu trop vite les autres, GATTACA, MOON, DISTRICT 9, EX_MACHINA, PREMIER CONTACT, INTERSTELLAR, I AM MOTHER, pour ne citer qu’eux.

C’est croire un peu vite qu’en littérature c’est mieux, alors que c’est loin d’être le cas. Depuis que chacun peut publier son p’tit bouquin SF grâce au premier éditeur amateur venu, voire même le publier totalement à ses frais, la SF patauge souvent, pas toujours, dans un bouillon indigeste de fausses bonnes idées et d’histoires maladroites sans grande originalité.

Bref, j’ai rencontré maintes fois des Jeanne-A dans ma vie, ces littéraires passionnés de SF qui m’ont tenu ce même discours, un peu condescendant. Je pense qu’aujourd’hui il serait temps, pour eux, de sortir la tête de leur bouquin et d’aller voir si c’est bien le cinéma de SF qui a 40 ans de retard… ou si ce n’est pas eux, plutôt.

- Morbius (morbius501@gmail.com)

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Pour changer un peu de la robotique cinématographique, en voici un du showbiz : l’Automatic Lover de la chanteuse anglaise Dee D. Jackson. Ce robot est craignos avec un certain recul, mais il est assez représentatif des jouets de la fin des années 70. Il est un peu comme le Necron de la doctoresse Freida Boher, ou quand la culture pop avait dépassé le féminisme pour créer des femmes fatales futuristes et des hommes objets (un peu comme certains objets qu’on peut acheter dans les sex shop).

Inoffensif, avec une petite antenne pivotante sur le haut du crâne, et dansant une sorte de break danse minimaliste, il accompagnait Dee D. Jackson moulée dans sa tenue sexy et futuriste, dans le clip de la chanson, comme dans ses différents shows télévisés.

Pour ce qui est de Dee D. Jackson, voici quelques infos traduits du wikipedia anglais :

« Dee D. Jackson (née Deirdre Elaine Cozier, le 15 juillet 1954 à Oxford , Angleterre) est une chanteuse et musicienne anglaise. Dans les années 1970, elle a travaillé comme productrice de films à Munich, en Allemagne, avant de se lancer dans la musique, en travaillant avec Giorgio Moroder et Keith Forsey. En 1978, elle sort son premier album, « Cosmic Curves », un disque de science-fiction-disco produit par Gary Unwin et sa femme Patty. Le single « Meteor Man » a été un hit en Argentine, au Brésil, en Europe et au Japon. Et le tube « Automatic Lover » atteignit la 4e place du UK Singles Chart et la 1e en Argentine, en Italie, en France, en Espagne, en Turquie et au Japon. En Allemagne, le single atteignait le numéro 5. Il a également grimpé dans les charts sud-africains. Au Brésil , le succès a été tel que les médias brésiliens ont produit leur propre version de Dee D. Jackson. Une chanteuse brésilienne, Regina Shakti, habillée en Jackson, accompagnée de son robot et d’un météore, a été présentée à la télévision brésilienne comme la vraie Dee D. Jackson. »

Le morceau « Automatic Lover » est désormais culte et vous en trouverez plusieurs remixes sur YouTube.

- Trapard -

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« Avais-je flotté une éternité dans les limbes ? Étais-je vivant – mort ? Y avait-il le souvenir d’un monde existant dans le passé lointain ou l’avenir éloigné ? D’un autre monde apparemment plus proche ? Et les noms ? Étais-je John Daker ou Erekosë ? Étais-je l’un et l’autre ? Bien d’autres noms – Corum Bannan Flurrun, Aubec, Elric, Rackhir, Simon, Cornelius, Asquinol, Hawkmoon – s’enfuyaient sur les rivières spectrales de ma mémoire. Désincarné, je flottais dans l’obscurité. »

De la vie de John Daker, le lecteur du Champion Éternel n’apprendra que peu de choses avant que ce père de famille, a priori cultivé, de la fin du 20e siècle ne voit son sommeil troublé par d’étranges visions. Grâce à un antique sortilège, le vieux roi Ringaros et sa fille Iolinda parviennent à réincarner l’esprit de Daker dans le corps du guerrier légendaire Erekosë. Afin d’accomplir sa destiné cosmique, l’ultime défenseur de l’Humanité va devoir choisir son camp dans une guerre génocidaire qui oppose, depuis des millions d’années, sa race à celle des inhumains Xenans. Mais a-t-il réellement la liberté de ce choix ?

Souvent considérée comme une œuvre mineure dans l’Hypercycle du Multivers, bricolé par Michael Moorcock pendant près de quarante ans, La Quête d’Erekosë mériterait sans doute d’être réévaluée par certains adeptes exclusifs d’Elric, l’empereur albinos névrosé de Melnibonée. Recyclant avec un certain bonheur les clichés de la science fantasy façon Burroughs[1] – transmigration de l’âme du héros dans le corps d’un guerrier intrépide, civilisation extra-humaine, cités exotiques à l’architecture débridée, science mystérieuse qui confine à la sorcellerie… – ce premier tome offre surtout une réflexion pertinente sur la notion de libre arbitre, dans un univers en perpétuelle recherche d’équilibre entre la Loi et le Chaos.

« Ce n’était pas mon destin de faire éternellement la guerre – c’était le destin de toute ma race. Comme j’appartenais à cette race – mieux : comme je la représentais -, je devais, moi aussi, faire éternellement la guerre. Et c’était ce que je voulais éviter. L’idée de me battre toujours, partout où l’on me le demandait, m’était insupportable. Et pourtant, tous mes efforts pour briser ce cercle seraient inutiles. »

Inhérente à la figure du Champion éternel, telle que Moorcock la développe dans la plupart de ses autres récits directement liés au concept de Multivers (les cycles d’Elric, Hawkmoon et Corum), cette réflexion est rendue ici d’autant plus prégnante par à une narration prise en charge par le héros lui-même – dont le titre se confond, au passage, avec celui du roman – un héros aux rêves perpétuellement hantés par le souvenir de ses incarnations passées et à venir, qui vient remettre en question la portée morale de ses actes présents.
_______________________________________________________________
[1] Notamment son fameux Cycle de Mars, auquel Moorcock a par ailleurs rendu hommage, au milieu des années 1960, avec une trilogie du Cycle du guerrier de Mars plus distrayante qu’originale.

- Le Hangar Cosmique -

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PLUTON

Malgré son nom de planète naine, Pluton est un tueur sanguinaire à tendances cannibales. Ce personnage est l’un des méchants de LA COLLINE A DES YEUX (1977) de Wes Craven.

Le personnage de Pluton a été immortalisé par l’acteur Michael Berryman avec son visage atypique né du Syndrome de Christ-Siemens-Touraine (donc dépourvu de système pileux, de glandes sudoripares, d’ongles et de sensibilité dans certains nerfs). Pas forcément très présent à l’image, Michael Berryman n’en est pas moins charismatique en assassin dégénéré. D’ailleurs, avec un peu de recul cinéphile, Pluton et sa fratrie satellite consanguine (Mars, Jupiter et Mercure) deviennent vite très sympathiques, un peu comme avec les détraqués de LA DERNIÈRE MAISON SUR LA GAUCHE (1972).

Le film de Craven a finalement permis à Michael Berryman de se faire une place dans ce type de cinéma, alors que son rôle précédent d’aliéné mental dans VOL AU-DESSUS D’UN NID DE COUCOU (1975) de Milos Forman n’est finalement qu’anecdotique, convenu et peut-être un peu maladroit. Ce choix de « tronche » par Wes Craven pour son film peut être vu comme une continuité d’un cinéma de genre des années 40 et 50 dans lesquels des acteurs atteints d’acromégalie interprétaient des monstres souvent assassins. Ce à quoi, on peut ajouter le thème du film qui est une référence directe aux années 50 :

Une famille d’Américains moyens, les Carter, décide de partir en voyage en Californie, afin de pouvoir mieux resserrer les liens. Le père, Big Bob, est un ancien policier de Cleveland mis à la retraite pour des problèmes de cœur. La famille est composée de sa femme Ethel, de leur fille aînée Lynn, du mari de celle-ci Doug et de leur bébé Catherine, de Brenda, la seconde fille de Bob, et de Bobby. Alors qu’ils cherchent un raccourci sur une route du désert du Nouveau-Mexique (zone d’essais nucléaires dans les années 1950, reconvertie en base pour l’aviation) et que Big Bob insiste pour visiter une mine de fer abandonnée, ils ont un accident et les pneus sont crevés. C’est le début d’une longue descente aux enfers, car ils deviennent la proie d’une famille de cannibales vivant cachée dans les collines voisines…

Alors presque au sommet de sa gloire dans le domaine du Bis, donc juste avant UNE CRÉATURE DE RÊVE, AMAZONIA LA JUNGLE BLANCHE et BARBARIANS, Berryman a repris le rôle de Pluton dans la suite directe de LA COLLINE A DES YEUX en 1985. Donc, on reprend nos méchants de service et on les confronte à l’un des survivants du premier massacre encore traumatisé (voir ici une petite connexion avec le cinquième volet de la saga des VENDREDI 13 sorti la même année). Il retourne sur les lieux du crime pour se venger avec sa bande de copains, histoire de surfer sur la mode du teen-movie, alors typique du milieu des années 80. Et son rôle de motard mutant dans UNE CRÉATURE DE RÊVE ressemble presque à un caméo et à une référence à LA COLLINE A DES YEUX 2.

Huit ans après le massacre de sa famille, Bobby Carter est traumatisé. Il a cependant réussi à s’en sortir en créant un groupe de motards avec Ruby, la fille de Jupiter, qui se fait désormais appeler Rachel. Le groupe souhaite alors participer à une course dans le désert, non loin de là où la famille Carter a eu son accident. Bobby a alors un très mauvais pressentiment et malgré le conseil de son psychiatre, refuse d’y aller. Ruby s’y rend alors avec Cass, Roy, Harry, Hulk, Foster, Sue et Jane. En retard, la bande décide de prendre un raccourci par le désert, mais leur bus tombe en panne en plein milieu du désert… Les cannibales défigurés refont surface…

En 2006, Wes Craven a produit le remake tourné par Alexandre Aja, ainsi qu’une suite indirecte en mode SWAT. Mais Pluton n’y apparaît pas. Personnellement j’aime beaucoup le film d’Aja, même si je le trouve totalement dés-ancré de la logique de l’Histoire du Survival. Disons qu’il est surtout ancré dans l’Histoire des remakes hollywoodiens. Tandis que le film de 1977 était d’un côté le reflet d’une époque, avec notamment la présence d’un personnage de policier retraité dont le comportement reflète sans avoir l’air d’y toucher, celui des vétérans du Vietnam. Et de l’autre, tout en y ajoutant une notion d’hybridations suite à des essais nucléaires, Wes Craven sortait déjà très tôt le Survival de son cadre de l’éternel plouc sud-étasunien dégénéré dans lequel DÉLIVRANCE et MASSACRE À LA TRONÇONNEUSE avait déjà commencé à l’enfermer.

Enfin, on retrouve dans les deux premiers COLLINE A DES YEUX, ce principe de la « self defense » souvent ingénieux, qui est aussi très présent dans LES GRIFFES DE LA NUIT (1984).

- Trapard -

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Je crois qu’on trouvera peu de robots plus craignos que celui-ci avec son allure de corbeille de salle de bain en plastique et son sourire bricolé avec trois bouts de moquette synthétique. Il est plus ou moins le héros du film post-apocalyptique et pornographique, STAR VIRGIN (1979).

L’intrigue du film : Un robot explique le sexe à la dernière personne vivante sur terre, permettant une reconstitution complète du jardin d’Éden…

Seul le début du film est un pastiche de science-fiction, le reste étant constitué d’une succession de scènes hards. Le réalisateur de STAR VIRGIN n’est autre que Howard Ziehm, à qui l’on doit un certain nombre de parodies X à l’humour rock’n'roll comme CITY OF SIN (1971) parodiant la série DRAGNET (1967-1970), ou NAUGHTY NETWORK (1981) parodiant M*A*S*H (1970). Mais on lui doit surtout l’incroyable mais soft FLESH GORDON (1974) co-réalisé avec son compère de plusieurs tournages, Michael Benveniste. FLESH GORDON possédait déjà un bestiaire extraterrestre extravagant ainsi qu’une armée de robots aux sexes redoutables qui ont dû inspirer un certain Shin’ya Tsukamoto pour son TETSUO (1989).

En revanche, le robot de STAR VIRGIN n’a pas dû laisser de traces indélébiles dans l’histoire de la science-fiction, l’alibi du film de Howard Ziehm étant se focaliser sur une vierge seule perdue au milieu d’un monde déserté et refaisant le monde du X dans sa tête. Et au vu de sa filmographie, les vierges nymphomanes (!!) semblent être légions dans l’imaginaire de Mister Ziehm (VIRGIN RUNAWAY, MONA THE VIRGIN NYMPH, THE INCREDIBLE BODY SNATCHERS…).

Le cinéma indépendant d’Howard Ziehm n’est pas extraordinaire, mais il nous reste au moins son humour débridé qui fit les belles années de la firme Troma.

- Trapard -

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